¿POR QUÉ ESTUDIAR BELLAS ARTES?

Nuestro primer libro publicado!

http://issuu.com/estefanianavarroaranda/docs/por_qu___estudiar_bellas_artes/1

CONFERENCIA LAURA TORRADO

LAURA TORRADO

www.lauratorrado.net/home.htm

Nacida en Madrid en 1967, actualmente Doctora y profesora en Bellas Artes. Licenciada en Bellas Artes en la UCM. Su paso por la universidad no fue muy trascendental, se dio cuenta que había más mundos y decidió irse a EEUU con una beca para la escuela de artes visuales en NY. En NY pudo apreciar la diferencia que había con España; en EEUU los comisarios venían a tu estudio, en España eso era imposible.

Empezó en el arte haciendo instalaciones con elementos de la calle: goma, pelo, hojas,... Gracias a documentar ella misma esas instalaciones con la cámara, empezó a entrar en ese territorio de la fotografía.

Papel, piel, materiales encontrados y ligeros; esas son sus herramientas para crear sus instalaciones. 
Con el tiempo empezó a meter el cuerpo en su obra. Empezó saliendo ella misma en sus propias obras, ella misma actuaba, y hacia las fotografías.

Cuando uno es joven hay que darlo todo. Sumergirnos en el arte porque ahora no tenemos apenas responsabilidades y podemos sobrevivir de muchas maneras.

A veces lo poético se puede por demasiado intelecto. A veces no es lo políticamente correcto. A veces hay que dejarse llevar, que salga solo y con el tiempo se verá el porqué hacías eso.

"El arte si no es poético, no es arte" nos comentaba Laura Torrado. El arte tiene que conmover de una manera no periodística, si no, haz periodismo.

Laura Torrado buscada lo absurdo, realizaba acciones duchampianas, lo que no sirve para nada. Como he comentado, empezó fotografiándose ella misma, creando acciones, historias: el cuerpo como soporte, escaleras de papel, camas verticales de papel,...

Durante la conferencia nos habla de muchos artistas los cuales se ha inspirado. Me parece interesante ya que pocos artistas comentan de otros. Rebecca Horn, Louise Bourgeois, artistas que le inspiraban por el lado femenino que transmitían.

Inspirada por Frida Kahlo y el movimiento feminista, dejó de lado el papel y se centró más en el relato narrativo de una imagen.

"El arte hace que la sociedad salga de los estereotipos"

Sobre el año 2000 empieza a querer retirarse de aparecer en el retrato, se retrata con el rostro cortado, tapado,... Quería dejar de exponerse delante, sólo detrás de la cámara.

Lo último que está realizando titulado Vida suspendida, su última serie realizada con materiales efímeros, pelos, flores, colillas, naturaleza muerta y sobretodo, la figura que no ha dejado de aparecer en toda su trayectoria artística.

Frase importante que comentó y se me quedó guardada; "Hay que escucha el proceso, a veces es más interesante que el final."

¿QUÉ ES LA EVALUACIÓN?

Para evaluar lo más importante es distinguir entre calificación; que es una nota final, y evaluación: algo que se razona.
Las dos tienen que ver con la justicia . Es difícil de impartir porque nunca se queda conforme todo el mundo.

Para realizar una buena evaluación hay que tener en cuenta dos cosas:

- Cualitativa: estudiar el trabajo de cada alumno, ¿qué tiene que mejorar? ¿cuáles son sus puntos principales? ¿se ha esforzado? Responder a todas las preguntas sobre la trayectoria de cada alumno durante el curso.
- Cuantitativa: es un número que se consigue realizando preguntas a los alumnos y ellos responden, cada pregunta cuenta, y al final consigues una nota con la media.
Al final siempre los profesores tienen que realizar una evaluación cuantitativa también, puede ser suspenso, aprobado, notable o sobresaliente.

¿Cómo sabemos si una persona puede aprobar? Los que cumplan con los objetivos que has puesto al principio de la asignatura. Por eso, hay que poner unos objetivos claros y delimitados ya que de cada asignatura puede haber una revisión y hay que saber contestar y defender las preguntas que se te realicen.

A la hora de evaluar cuantos más enfoques tengas y personas intervengan mejor. Te pueden ayudar padres cualificados, expertos de fuera,... ser creativo para evaluar.
Ser consciente que es un documento público, hay que ser delicado y saber que tratamos con personas.
Nunca hay que dejarse llevar por lo que te digan otros profesores, eres tú con tus alumnos. Sacarles el máximo partido, que sientan que crees en ellos, ser generosos y sacar de cada día algo.

Sólo utilizar la presión en momentos límite. Los alumnos dan lo máximo de sí mismos cuando oyen la palabra "examen" o cuando das algo que les interesa. Por eso, hay que renovar y ponerse en duda a ti mismo cada día.

100 ARTISTAS IMPORTANTES

¡100 Artistas importantes que hay que saber! 

- Duchamp: el arte es pensamiento
- Joseph Beuys: el artista es un burú al servicio de la sociedad
- Lucio Fontana: pintura espacialista. Rompe el espacio del cuadro
- Louise Borgeois: cuenta historias personales hablando de la mujer
- Isamu Noguchi: mezcla americano y japonés. Inventó las lámparas de papel
- Marisa González: española, revolucionaria, trabajos sobre política
- Mathew Barney: artista multiciplinar. Mezcla todas las técnicas
- Sherrie Levine: apropiacionista mujer
- Takashi Murakami: alegre, figuras críticas y pop
- Rachel Whiteread: vaciados de casas, sillas,... para que veas el vacío
- Carmen Calvo: collage, hace colecciones
- Hernández Pijuan: pinturas y dibujos adoptando la figuración geométrica
- Marina Abramovic
- Sol Lewitt: él diseñala obra y otros la pintan y colocan
- Isidoro Valcarcel
- Agnés Martín: delicada
- Matta-Clark
- Hanne Darboven
- Antoni Abad: muy puro, ahora hace arte colaborativo
- Marina Núñez: arte digital
- Zhang Huan: una de sus obras son budas hechos con ceniza
- Ignasi Aballí: hace listas de cosas, de palabras,...
- Mariko Mori: crea espacios dónde se puede vivir
- Jaume Plensa
- Cristina García Rodero: fotógrafa número 1 en España
- Daniel Canogar: trabaja con los desechos y residuos
- Eulalia Valdosera: íntimo, mujer, marcas,...
- Laura Torrado
- Pablo Genovés: mezcla lugares emblemáticos con agua
- Isabel Muñoz: trabaja con el cuerpo y la danza
- Santiago Sierra
- Oppenheim
- Tomás García Asensio: pintor geométrico
- AES+F
- Yayoi Kusama
- Ana Laura Aláez: habla del consumo y la mujer
- Miss Van: grafitera
- Fontcuberta
- Kara Walker: violencia, identidad, sexualidad
- Rafael Lozano Hemmer: luz y proyecciones
- Mark Ryden: lenguaje infantil, perverso
- Tacita Dean
- Elena Asins: pintora geométrica
- Agustín Ibarrola: hacer bidimensional lo tridimensional
- Esther Ferrer
- Eugenio Recuenco
- David La Chapelle
- Michal Rovner
- Isidro Ferrer: diseñador e ilustrador
- Cristina Iglesias
- Carmen Lafton: figuración y abstracción
- Jerónimo Elespe: enigmático, oscuro
- Pérez Villalta
- Chuck Close: cuadros gigantes. Trabaja la figura atomizando
- Alex Gross: surrealista
- Cristina Lucas: autobiográfica
- Richard Lord: Land art
- Nancy Holt: Land art
- Cindy Sherman
- Cristo: envolver monumentos o lugares para descubrirlos
- Nancy Spero: mundo personal, expresivo, hace relatos
- Damien Hirst
- Tracey Emin: apuntaba en una tienda de campaña a todos los hombres con los que se acostaba
- Leon Golub
- Rineke Dij Kstra
- Banksi: artista urbano
- Keith Haring
- Aziz y Cucher: límites entre el hombre y la máquina
- Kiki Smith: revolucionaría y expresionista
- Peter Doig
- Pipilotti Rist
- Thomas Demand: habla de la imagen, de la imagen, de la imagen
- Hermanos Chapman: sexo y cuerpos
- Tobias Rehberger: instalaciones
- Paul McCarthy 

CONFERENCIA BRUNO JAMAICA Y TOMOKO HASUWA

Gracias a la plataforma llamada El Intercambiador, han traído a estos dos artistas que explicaré a continuación:

BRUNO JAMAICA

brunojamaica.com/

Este artista portugués, se desplazó más tarde a Londres dónde vivió y trabajó su obra.
En esta conferencia nos muestra su trayectoria artística desde que estaba en la universidad. Estudió escultura y para realizar instalaciones.
Explora la percepción y el movimiento. Reinventa esculturas, regenerando la percepción del ser humano.
Su obra consta de colocar unas líneas, que representan la forma de dibujar, el trazo. Esas líneas representan el espacio. Cuando vemos un lugar no nos fijamos en el espacio tan grande o pequeño que puede ser, en cambio Bruno con su obra, vemos la percepción del espacio que se modifica. Esas líneas no son algo sólidas, si no ayudan a entrar la luz y combinan líneas oscuras, negras, transparentes, claras,...

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TOMOKO HASUWA

www.tomokohasuwa.com/

Artista nacida en Osaka, graduada en el departamento de pintura al óleo. Se trasladó a Tokyo para avanzar con su obra.
Nos muestra su obra desde el 2008, también nos explica su trayectoría después de acabar los estudios. Me resultó muy interesante saber lo que hizo después y cómo empezó a buscar salidas para su trayectoría artística.

Su obra son pinturas al óleos. Una mezcla de pinturas abstractas, personas y paisajes. Crea estructuras complejas, y una abstracción que a la vez aparece la figura. Su forma de pintar crea como un tejido.

Un consejo que nos ha dado y me ha parecido muy interesante: No hay que desistir. Cuando Tomoko iba a las galerías ha enseñar su obra y le decían que no, seguía insistiendo y al año siguiente volvía a ir cuando su obra estaba más avanzada. No hay que perder la esperanza si te dicen que "no" en una galería, hay que seguir intentándolo.

PRESENTACIONES PENDIENTES Y REVISIÓN DEL LIBRO

Hemos realizado las presentaciones que quedaban pendientes y después hemos puesto en común las partes de cada uno del libro. Nos faltan los últimos retoques del libro y la maquetación.

¡¡Pronto tendremos el honor de mostrar nuestro libro!!

Willian Eggleston / Richard Serra / Andy Goldsworthy

WILLIAN EGGLESTON

1939

Padre de la fotograafía a color

 RICHARD SERRA

1939

Autor considerado Land Art.

Las galerias se convierten en la propia calle. 

Escultura representando paisaje.

Invita a los espectadores que interactuen con la obra.

ANDY GOLDSWORTHY

1956

Proyectos efñimeros, sin dañar la naturaleza 

MASTER, DOCTORADO, TESIS, INVESTIGACIÓN

MASTER

Es una especialización, varia el precio, la validez y la duración. Del master puedesoptar a hacer doctorado.
Son 300 creditos europeos divididos en dos años. Hay lugares por el mundo que son gratis, solo importa saber el idioma y que te admitan.

Requisitos:
Piden una nota de corte, el curriculum el cual habría que resaltar alguna experiencia profesional en ese terreno, las asignaturas importantes que haya que destacar.

La universidad se divide en facultades, y ésta en departamentos (pintura, dibujo I, dibujo II, escultura,...) Hay masters que combinan facultades o departamentos. Por ejemplo; crean un máster la escuela de restauración, restauración de la UCM y el museo del prado.

Cuando te admiten para realizar el master, debes escoger un director para que te ayude, para ello deberías mirar los curriculums de los profesores para ver cual te podría ayudar más.

Al finalizar haces un TFM (Trabajo Fin de Master). Este trabajo debería ir relacionado con la tesis. El mismo tema, con el fin de tener coherencia como investigador.

Los trabajos que te manden durante el master o doctorado, podrías llevarlo a tu tema, así tienes más capítulos para ese trabajo final.

               

DOCTORADO

No te especializas en nada, solo para introducirte en un departamento determinado. Los programas van por números. Los cursos de doctorado dan muy poca docencia, no se conocen los alumnos y es ahora cuando se empiezan a añadir metodologías de investigación.

La duración es de dos años también. Hacer un doctorado tiene sentido para ser docente universitario.

Requisitos:
Nota de corte, curriculum destacando experiencias profesionales y asignaturas y una memoria de qué es lo que quieres investigar.

Algunos masters te acceden al doctorado. Al acabar el doctorado haces TFD (Trabajo Fin de Doctorado)
Siempre hay que ir en una misma dirección, el mismo tema.
Fundamental elegir un buen director de Tesis; que esté disponible, te atienda, te entienda y te ayude, debe saber del tema que tratas y tener un compromiso con la universidad.


TESIS

Trabajo original pero no inédito (puede haberse editado siendo por uno mismo)
Se puede realizar una tesis publicando en 4 revistas científicas con un índice de impacto (nature, arte impacto y sociedad, art education,...)
También se tiene en cuenta las citaciones que hagan tuyas.
Una tesis puede tardar en hacerse entre 3-4 años mínimo. Hay que dar vueltas a un tema desde diferentes enfoques.El trabajo tendrá entre 600-700 páginas.
Al acabarla hay un acto de defensa. Se propone un tribunal de 5 personas que han sido seleccionadas entre 10. (un presidente de tribunal, secretario y 3 vocales.)

Cada miembro del tribunal habla de los aspectos positivos y negativos. Si eres apta se publica en varios sitios.


INVESTIGACIÓN

una investigación es la búsqueda de la verdad, de algo que no está del todo claro.
Lo importantes es saber que es lo que quieres buscar, que enriquezca a la ciencia, sea claro y limitado.
Una idea de la que partir, todo depende del enunciado que pongas, debe estar muy bien escrito, una aseveración que enuncie al principio sin ser pregunta.
Para comprobar la idea hay que desarrollar un método para que cualquier persona ponga en práctica ese método para saber esa duda, y salga lo mismo que a ti.

1. Antecedentes. ¿Habrá otras personas que hayan buscado lo mismo? Hay que asegurarse que no han realizado esa investigación, buscando las bases de datos nacionales y internacionales.

2. Estado actual del tema

3. Metodología. Desarrollo para poder comprobar la idea que se ha dado. Leer libros de metodologías cualitativas, cuantitativas, estadísticas, de las cantidades que hablamos. Responder; cuándo, cómo, dónde, porqué.

4. Trabajo de campo con varios capítulos. Hacer la metodología. (Escribirlo en pasado y en "nos" o "se")

5. Análisis de resultados. Ver que ha pasado.

6. Conclusiones; resultados de la investigación. Responder a la hipótesis, relaciona y menciona los anteriores apartados. Responde a los objetivos.

7. Campos que dejas abiertos para futuras investigaciones

8. Fuentes documentales: todos los sitios que has visitados: centros, bibliotecas,...

9. Referencias: libros que citas.

10. Bibliografía: todos los libros que has usado y otros esenciales para la investigación. 

SALIDAS PROFESIONALES EN BELLAS ARTES

Al comenzar la clase, nos propusieron indicar cuál es la profesión ideal para cada alumno, y lo que estarían haciendo dentro de 10 años.

DAVID: diseño gráfico, imagen digital, profesor dibujo natural

PABLO: diseño gráfico, profesión relacionada con el cómic

LAURA: fotógrafa, en una revista, retoques fotográficos

BÁRBARA: fotógrafa con su propio estudio

A continuación adjuntaré una lista de todas las posibles salidas profesionales al finalizar Bellas Artes. Son muy diversas y hay un amplio abanico de posibilidades;

- Animador digital o socicultural: turismo, en cruceros
- Anticuario: detectar lo falso, lo bueno, lo verdadero, falsificaciones, ...
- Arqueólogo: dibujantes, planos
- Atrecista: teatro o cine, que sea todo coherente, colores, ropa, ...
- Artesano: ceramista, vidreo
- Comisario de exposiciones: curador
- Conservador de bienes culturales del arte contemporáneo
- Creativos de historietas: cómic e ilustración
- Creativo de publicidad
- Creativo de videojuegos
- Crítico de arte: hay que saber historia, documentación...
- Educador
- Diseño y elaboración de materiales didácticos
- Decorador: interior, exterior, locales
- Dibujantes: de boda, libros, proyector de cosas, diseño patrones
- Director de arte creativo: fotográfico, publicidad
- Director de fotografía: para cine, las luces, calidad, composición, colores
- Diseñador gráfico: web, revistas, publicidad, logotipos de marca
- Diseñador audiovisuales: publicidad, trailer, bases de película
- Diseñador de interiores:también de muebles
- Diseñador publicitario: de una campaña
- Escultor: monumentos, fuentes, reproducciones, reconstrucción de huesos humanos vivos o muertos
- Escaparatismo: engloba escultura, color, iluminación, composición, espacio
- Escenógrafo: aplicado al teatro, cine y fotografía
- Fotógrafo: de moda, catalogo, museo, periodística, espía, retrato, cadáveres, telas, ....
- Formador en artes plásticas: para colegios autistas, residencias de tercera edad.
- Galerista
- Gestor cultural: inventar y gestionar cultura, en una universidad, ciudad.
- Guía y monitor turístico
- Guía y monitor de museos y exposiciones
- Maestro taller: artes plásticas, diseño, restauración.
- Maquetador
- Mediador intercultural
- Monitor de tiempo libre: en centros comerciales.
- Montador de exposiciones
- Museólogo: gestión y montar un museo
- Paisajista: pintura con distintas especializaciones, de fondos de películas, cine, museos, recreaciones de centros de ocio...
- Pintor: de brocha gorda o fina
- Profesor de enseñanza secundaria
- Profesor de enseñanza artística
- Restauracines de bienes culturales y obras de arte de escultura y pintura
- Técnico de desarrollo en mantenimiento web
- Técnico de story board
- Subastador
- Tasador de obras de arte
- Técnico en actividades extraescolares
- Tutor de forma abierta y a distancia
- Ilustración de libros y cuentos
- Administrador de localizaciones

CLASE 30 ABRIL

EVALUACIÓN Y AUTOEVALUACIÓN

Evaluar los blogs de los compañeros de 1 a 10, teniendo en cuenta estos parámetros:

• Se valora con positivo: que este bien redactado y sin faltas ortográficas  ni gramaticales
• Que no este copiado (de debe comunicar a la profesora para retirar el blog)
• Que se citen las fuentes

Autoevaluación valorando los mismos puntos anteriores y respondiendo a las siguientes preguntas:

1. Tratando de mirar el principio de curso ¿has avanzado en tus conocimientos sobre arte actual?
2. ¿Crees que has avanzado en las presentaciones publicas?
3. Tus trabajos personales ¿los has empezado a enfocar de otra forma?
4. Describe los puntos positivos y negativos del curso

ARTISTA JILL GREENBERG

JILL GREENBERG

www.jillgreenberg.com

Artista y fotógrafa canadiense nacida en 1967. Estudió Bellas Artes. 

Conocida por sus retratos y trabajos fotográficos, en concreto por su serie End Times.

UNIDAD DIDÁCTICA ¿CÓMO SE HACE UN CÓMIC?

Una unidad didáctica es un módulo en el que tu vas a enseñar algo, desarrollar un tema que puede durar 1 o más sesiones de trabajo.

A continuación veremos las pautas a seguir para realizar una unidad didáctica poniendo como ejemplo una clase de cómo realizar un cómic.

1. Hay que pensar en el target, el público a quien vas a dar esa clase. A quién va dirigido. Pondremos como ejemplo una clase heterogénea de personas entre 7 a 60 años. Hay que alcanzar un nivel que entiendan todos.

2. Hay que saber y definir el lugar dónde darás la clase, el contexto.

3. Poner nombre a la unidad didáctica, un título: ¿Cómo se hace un cómic?

4. Descripción sencilla de lo que queremos enseñar:

En esta unidad didáctica se va a aprender y desarrollar un taller que se va a mostrar de forma teórica y práctica todas las pautas necesarias para la realización de un cómic. Se empezará con una idea de una historia que vas a llevar a cabo, con los personajes principales, diseño de viñetas, bocetos y el diálogo.

5. Definir los objetivos. Se anuncian en infinitivo. Hay que poner las que luego se van a evaluar y el profesor tiene que cumplir con esos objetivos.

- Conocer los antecedentes del cómic
- Aprender las partes narrativas que se deben seguir para redactar una historia
- Diseñar los personajes principales con sus características y sus rasgos personales
- Conocer los diferentes tipos de viñetas que puede haber en un cómic y realizar bocetos
- Saber las pautas que se deben seguir para escribir un diálogo

6. Definir los contenidos. Los mínimos para aprobar. La unidad didáctica se planificará de la siguiente manera:

Empezaremos el taller con una parte práctica. Los alumnos escribirán en unas 4 líneas una breve historia que contengan dos personajes máximo para luego realizar el cómic. (Tiempo 15 min.)

A continuación parte teórica, se empezará explicando las partes narrativas que hay que seguir para redactar una historia (así compararán después con la breve historieta que han escrito antes) A la vez que se explica las pautas, se enlazará la teoría dando ejemplos de algunos antecedentes del cómic. (Tiempo 30 min.)

Se dejará un tiempo a cada alumno para que corrija y amplie su historia siguiendo las pautas dadas anteriormente (Tiempo 20 min.)

Teoría con diapositivas. Se explicará cómo se diseña un cómic, tipos de viñetas, ejemplos de diversos dibujos y colores anunciando también referencias si es necesario.
A continuación teoría de cómo diseñar un personaje, todas sus características y rasgos necesarios. (Tiempo 40 min.)

Práctica para los alumnos. Diseñarán sus personajes principales, creando bocetos y se colorearán después de haber visto la teórica sobre dibujo y color. (Tiempo 30 min.)

Se explicará a continuación un breve resumen de las pautas a seguir para escribir el diálogo o guión. (Tiempo 30 min.)

Cada alumno realizará el cómic siguiendo su historia escrita anteriormente, con los personajes ya diseñados. El cómic podrá ocupar máximo 3 hojas DinA4. (Tiempo 90 min.)

Para finalizar este taller, pondremos en común cada cómic. Cada alumno mostrará y explicará lo que ha hecho. (Tiempo 10 min. por persona) 


7. Temporalización. Después de definir los objetivos y contenidos, definiremos el tiempo que tendrá cada uno de ellos. Como se puede observar lo he añadido al final de cada contenido.

8. Actividades. Antes de realizar el taller, hay que saber si los alumnos necesitarán visitar alguna exposición, ir a la biblioteca, leer algún libro, etc...

9. Metodología. ¿Qué métodos vas a usar?

- Método Proyecto: simulación de un hecho real. Por ejemplo, el profesor cuenta que le han encargado en un periódico un cómic y hay que hacerlo.
- Método Debate: realizar grupos según las opiniones de cada alumno y debatir un tema.
- Método Magistral: dar una clase teórica.
- Método mesa redonda: el tema que se vaya a explicar ponerlo en común entre todos.
- Método Taller: práctica.
- Dejar que hagan ellos y el profesor nada.

Los métodos que voy a seguir para esta unidad didáctica es el método magistral, método taller y mesa redonda.

10. Medios. ¿Qué necesitas? Para esta taller necesitaremos: un aula con mesas y sillas o pupitres, un ordenador con proyector, rotuladores, pinturas de madera, folios, lápices, ... 

Fungibles: son los que se estropean, bolígrafos, papeles, rotuladores, ...
No fungibles: aula, mesas, ordenador, proyector,...

11. Evaluación. Se puede evaluar de muchas maneras:

- Que evalúen los alumnos al profesor de forma anónima.
- Evaluar el curso si la gente ha aprendido.
- Evaluar el profesor a los alumnos: autoevaluación, cooperativa, de pares o evaluación normal del profesor. 

COMENTARIO DE UN LIBRO

Esta noche dime que me quieres de Federico Moccia, este es el libro que he decidido comentar.

Autor; Federico Moccia, nacido en 1963 en Roma, por eso casi todas sus novelas nos muestran la historia reflejada en Italia. Ha trabajado en el cine y como guionista de televisión.

Autor de Perdona si te llamo amor (Planeta 2008), A tres metros sobre el cielo (Planeta 2008) Tengo ganas de ti (Planeta 2009), Perdona pero quiero casarme contigo (Planeta 2010) y Carolina se enamora (Planeta 2011). De todas ellas se ha hecho la versión cinematográfica y algunas en España.

Todas las novelas de este autor son de amor y juveniles. En cambio, ésta en concreto es una novela más madura, no es juvenil ya que nos muestran promesas, culpas, secretos, juegos, sufrimiento, infidelidad, sentimientos y pensamientos de una persona adulta.

SINOPSIS

En la novela aparecen tres personajes principales;

Por una parte esta Sofía, una joven promesa del piano, hasta que una estúpida discusión con su novio Andrea cambió su vida para siempre. El día de la discusión, su marido sale de casa y coge la moto con tal velocidad que tiene un accidente, en el cual termina en el hospital. Sofía que era una chica creyente, pidió que si su marido salía con vida, ella dejaría de tocar el piano para siempre, y así fue. Alegre y soñadora, decidió aparcar su carrera y sus sueños para cuidar de Andrea, que se quedó en silla de ruedas tras aquella noche.
Por otro lado, está Tancredi, es uno de los hombres más ricos del mundo. Joven, apuesto y brillante, siempre se sale con la suya. Un día de casualidad las vidas de Tancredi y Sofía se cruzan y empiezan a conocerse. Dos mundos diferentes, opuestos, como el día y la noche, se verán unidos.

PERSONAJES

1 protagonista y 2 personajes secundarios importantes:

Sofía: chica de treinta años, apasionada de la música. Trabaja impartiendo clases de piano a niños y jóvenes. Sofía por su parte es más soñadora y alegre, ha llegado a notarse más mayor de los que realmente es por lo que está pasando con Andrea. Llega un punto en la historia que no sabe lo que siente, no sabe si siente lo mismo por su marido que antes, o simplemente está con él para cuidarlo.
Andrea: marido de Sofía, tras una discusión con ella, él tiene un accidente que le deja paralitico. Él cambia su manera de ser, ya no le gustaba salir, se quedaba en casa con las persianas bajadas, solo recibía en su casa al chico de rehabilitación.
Tancredi: chico que sobrepasa los treinta. Millonario, vive la vida como le viene en gana y siempre se sale con la suya. No le gusta ver la felicidad reflejada en los demás porque él no cree en ella, por eso la destruye sin compasión ni miramientos.

CONCLUSIONES

Al final de la historia, Sofía confundida habla con una amiga suya que vivía en Rusia y decide sacarse un billete de tren e ir a verla, con el pensamiento de no volver. No le comentó nada a su marido Andrea, el cual ya empezaba a caminar un poco y recuperarse del accidente y tampoco le comentó nada a Tancredi, después de haberse hecho algunas ilusiones con él.

Sofía decidió desaparecer, rehacer y aclarar su vida. No quería estar con una persona por pena y que no sintiese lo que sentía antes. Y tampoco quería estar con una persona millonaria que siempre hiciese lo que le daba la gana.
Ella quería vivir, y dejar a un lado el pasado.
Por un lado, el libro nos muestra algunos capítulos duros, dónde nos explica cómo se siente Andrea en esa silla de ruedas, sin ganas de vivir y lo mucho que le cuesta salir de casa para ir al médico y ver a la gente caminar, los niños correr, hacer cosas que él no puede hacer. Son palabras fuertes dónde puedes llegar a entender cómo se siente una persona que ha tenido un accidente y se ha quedado paralitico recientemente. Es un golpe duro y te hace ver la vida de otra manera.
Por otro lado también te habla de las confusiones que tiene Sofía. No hay que estar jamás con una persona por pena, en realidad una de las cosas por las que Sofía da el paso para marcharse, es porque también ve que su marido mejora y sabrá valerse por sí solo. Tampoco puedes estar con una persona por el interés, por mucho dinero que tenga, no vale la pena.
La vida es otra cosa, no hay que vivir por conveniencia, ni estar con gente que no estás a gusto, hay que ser feliz y buscar tu camino, nadie te obliga a estar con gente que no deseas.

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Otros libros importantes que se han expuesto o que deberiamos leer:

- La vida de las abejas, Maeterlinck

- Disegno

- La serpiente verde, Goethe

- Mi visión del mundo, Autobiografía de Einstein

- La Isla de hidrógeno, P.S.J.M

- El mundo de Sofía

- La modernidad líquida

- Crimen y castigo, Fiódor Dostoyevski

- Cien años de soledad, García Marquez

- El beso de Judas, Fontcuberta

 - Esto no son las torres gemelas, Maria Acaso

- Viento del este y del oeste

- Novela gráfica El Cuervo, James O'bar

QUE TIPO DE CLASES HAY Y QUE SABERES SE DAN EN BELLAS ARTES

Como he comentado en la entrada anterior, vamos a realizar un libro explicando cómo dar una clase de qué es bellas artes, cómo empezó bellas artes, qué tipo de clases hay y qué saberes se dan.

A continuación adjunto la parte que me correspondía explicar:


3. ¿Qué tipo de clases hay? ¿Qué saberes se dan?

Durante la licenciatura de Bellas Artes existe gran variedad de asignaturas para que los alumnos puedan escoger e irse decantando por lo que más les guste. Existen asignaturas obligatorias que todo alumno debe hacer y las optativas, las cuales varían según lo que le interese a cada persona.

La licenciatura son 5 años divididos en 2 bloques llamados ciclos.

El primer ciclo consta de los 3 primeros años los cuales son asignaturas más generales. En los primeros años enseñan diversas técnicas que existen y las clases constan de más práctica que teórica para que el alumno experimente y tenga un objetivo claro para más adelante.

El segundo ciclo consta de los dos últimos años; 4º y 5º, y las asignaturas son más específicas. El alumno se centra en lo que le interesa y les ayudan a potenciar ese campo. Las asignaturas son más concretas, las cuales compensar la teoría con la práctica.

Cada alumno va desarrollando sus propias obras y llega a entender conceptos y teorías que años atrás no comprendía.

Los saberes que se dan durante la licenciatura se pueden dividir en los siguientes cuatro bloques:

1. Contextualización del arte

Existen asignaturas de historia del arte repartidas entre los dos primeros años de licenciatura. Es una asignatura obligatoria y necesaria, ya que una persona interesada en realizar todo lo relacionado con el arte, debe saber el pasado de éste, todos los antecedentes y conceptos que se han desarrollado hasta la actualidad.

2. Conceptos plásticos

A lo largo de la licenciatura todas las asignaturas constan de una parte teórica y otra práctica. No siempre está compensado, ya que muchas asignaturas realizan más práctica que teórica, y viceversa.

3. Prácticas artísticas

En este apartado enunciaré las asignaturas que se llevan a cabo durante la licenciatura que serán explicadas con detalle más adelante:
- Dibujo
- Pintura
- Escultura
- Grabado
- Fotografía, vídeo y todo lo relacionado con artes de la imagen
- Performance
- Muro

4. Desarrollo del lenguaje personal

Durante los últimos años de licenciatura, conciencian al alumno para el futuro mostrando las salidas que hay después de finalizar los estudios. Tienen que aprender cómo desarrollar una obra personal y explicarla al público, y para ello existen asignaturas las cuales desarrollan un proyecto desde el principio.

Para la realización de un proyecto hay que empezar con una idea; la desarrollamos en un trabajo de investigación que consta en buscar antecedentes, referencias, saber tus objetivos y hacer bocetos.

Después se pasa a la parte práctica, la cual el alumno realiza su obra de forma física con el fin de poder redactar posteriormente un dossier explicando la obra y adjuntando fotografías de ella.

En último lugar, enseñan cómo presentar ese dossier y exponer la obra en una presentación oral, con el fin de saber qué pasos hay que realizar en un futuro para presentar un proyecto u obra final.

CLASE 9 ABRIL 2014

En este día nos hemos aprendido cómo dar clase. 

Hemos dividido por bloques todo lo que hay que realizar para dar una buena clase. 

En concreto nos hemos centrado en el campo que conocemos; cómo realizar una clase explicando qué es Bellas Artes, qué clases se dan, antecedentes, etc...

Con ello realizaremos un libro en el cual cada uno ha aportado su granito de arena, cada uno escribirá una sección.

Las secciones son las siguientes:

1. Primero habrá que explicar de dónde viene Bellas Artes, el origen y los antecedentes. Todo lo relacionado con el pasado, ya que a lo primero bellas artes no era una carrera universitaria, si no una academia. 

2. Por qué se estudia Bellas Artes? Por pura vocación? Por querer ser artista?

3. Qué tipos de clases se dan? Qué saberes se tocan? Tanto teórico como práctico. 

4. Hablar de cada una de las asignaturas.

PELÍCULA SER Y TENER

Ser y tener es un documental francés estrenado en 2002.

En este documental nos muestra como es la educación en un pueblo pequeño de Francia. La clase consta de pocos alumnos entre 4 y 10 años, los cuales el único maestro va enseñando a cada uno asignaturas diferentes según sus edades.

La forma de enseñar de este maestro es totalmente diferente a lo que solemos ver en los colegios. El maestro apoya y comprende a cada uno de ellos realizando diversas prácticas. Les enseña a pintar, a escribir letras y números, les enseña matemáticas, hasta incluso cocinan y sobretodo también se divierten y van a la nieve todos a jugar.

Enfoca de una manera diferente el aprendizaje y la enseñanza centrándose en cada uno de sus alumnos. Les ayuda e insiste en los ejercicios que realizan cada uno hasta que ese ejercicio este bien y sobretodo los alumnos entiendan el por qué.

Enseña el amor y el compañerismo entre los niños, intentando solucionar siempre todos los problemas con el dialogo. El dialogo es lo que utiliza el maestro siempre para que cada alumno entienda y aprenda como hay que actuar en un futuro cuando el maestro ya no esté.

La forma de aprendizaje en mi opinión es buena, tener a un profesor más cercano que te ayude a aprender y solucionar tus dudas. También hace mucho que sean pocos alumnos ya que el maestro puede dedicarle tiempo a cada uno de ellos y conocerles bien.
Sería difícil aplicar esta educación en una universidad, más que nada por el número de alumnos, necesitarían un maestro por cada 20 personas.
En nuestro caso; en nuestra Universidad, podemos decir que tenemos la gran suerte de tener algo parecido al documental. Somos menos alumnos que en otras Universidades y los profesores nos llegan a conocer algo mejor, nuestras ideas, nuestros gustos, cómo actuamos, ...

NIVELES EDUCATIVOS

Existen varios los niveles educativos;


EDUCACIÓN FORMAL:

Son aquellos niveles los cuales obtienes títulos reconocidos.
Un niño empieza asistiendo a clases no obligatorias desde la guardería y después preescolar.
A partir de los 6 años a los 12 años van a Primaria, es obligatorio y gratuito. Esta etapa consiste en dar conocimientos básicos de expresión visual, musical, corporal.... y educación.
De los 12 años a los 16 asisten a educación Secundaria. En esta etapa se hablan de temas más específicos donde dará lugar a Bachillerato desde los 16 a los 18 años. (Un niño puede optar por no ir a Secundaria, y en cambio realizar un modulo a los 14 años, pudiendo hacer después un modulo superior y luego universidad.)
A la Universidad van los adolescentes que acaban Bachillerato, aunque también existen otras opciones;
Si eres mayor de 25 años, realizas una prueba de acceso dividida en 5 fases. Si eres mayor de 40 años, habiendo tenido una vida laboral y queriendo hacer algo relacionado. Y si eres mayor a 45 años, solo optas por algunas carreras.

Después de acabar la Universidad, puedes realizar un master o un doctorado. El doctorado consta de una investigación, mientras que en el master te especializas en algo y también haces una investigación.


EDUCACIÓN NO FORMAL:

Son aquellos estudios que realizas sin obtener un título del ministerio, como por ejemplo los Cursos.


EDUCACIÓN INVISIBLE:

Como visitar museos, investigar por Internet, leer libros que te interesen, etc... Es una educación la cual aprendes por ti mismo. 

CLASE JUEVES 27 MARZO

Por razones de una HUELGA DE EDUCACIÓN, la clase de hoy ha sido diferente.

Hemos disfrutado de una clase distinta; dialogar, comentar, opinar y criticar temas que vivimos hoy en día; crisis, consumo, familia, infancia, vivencias de cada uno e incluso anécdotas....

Me pareció una clase muy interesante porque siempre viene bien hablar de temas cotidianos y de nuestras vivencias con gente que compartes muchas horas durante meses.

CÓDIGOS DEONTOLÓGICOS DEL ARTISTA

Un Código Deontológico nos permite recoger una serie de estándares éticos de cómo actuar, de buenas prácticas, de lo que está bien hacer en un determinado sector. 

Existe el Código para todas las diferentes actividades profesionales: el Código Deontológico de la Abogacía, el Código Deontológico en el Periodismo, el Código de Deontología Médica...

En este caso, nosotros nos decantaremos por nuestra rama; los Códigos Deontológicos del artista.

Para saber esos códigos podemos descargarnos estos documentos que encontraréis en la siguiente página web:

www.avam.net/index.php?option=com_content&task=category&sectionid=22&id=41&Itemid=85&lang=es


O esta otra página que es un resumen de los anteriores textos, el cual te puede quedar más claro:

http://www.iac.org.es/wp-content/uploads/2011/05/C%C3%B3digo-deontol%C3%B3gico-del-IAC.pdf


Un artista debe tener conocimiento de estos códigos para saber cómo actuar en el mundo del arte.

Por ejemplo, decantándome por el DECÁLOGO DE BUENAS PRÁCTICAS PROFESIONALES;
En la primera cláusula nos comenta "Respeto a la libertad de creación y expresión". Si ponen esta norma es porque no se suele cumplir. Es anticonstitucional si no te respetan, al igual que es anticonstitucional aquellos que difundan la obra de un artista sin el consentimiento del mismo.
También hay que "Respetar los derechos morales del artista". Cuando te compran una obra y el coleccionista decide por ejemplo partir esa obra en trozos para sus herederos. Si tú no quieres que esa obra se separe, tu tienes los derechos ante ella, tú decides cómo es la obra, cómo debe ser expuesta, cómo se debe conservar e incluso limpiar.

Normas como acabo de exponer ejemplos, son importantes conocer para saber manejarte en el mundo del arte y te respeten.

CONFERENCIA ARTE Y VIDEOJUEGOS

LARA SÁNCHEZ COTERÓN

laracoteron.wordpress.com/

Lara Coterón, doctorada en 2012 en Bellas Artes UCM en el campo de Arte y videojuegos. 

Imparte asignaturas en diseño y desarrollo de videojuegos. 

Escribe artículos de reflexiones e investigación en relación con los juegos digitales. Publicó en Mondo-pixel.

Ha creado y comisariado proyectos para Medialab, Matadero...

Ha sido jurado en algunos concursos: Ho plai.  

En su página web nos muestra su próximo trabajo; unos talleres de diseño situados en Medialab Prado durante el 8 y 9 de Abril.

Desde 2009 participa en un colectivo artístico el cual hacen proyectos donde combinan el diseño de juegos con otros tipos de arte; plástica, teatro..

Un ejemplo fue un proyecto llamado "Mata a la Reina" en el Matadero. Este proyecto era un teatro de acción en primera persona, un juego interactivo. 

 Lara nos habla de sus juegos favoritos; son esos juegos de interacción directa entre jugadores. Multijugador local. También le gustan los juegos dónde no hay un objetivo muy claro, son juegos llamados de bajo perfil procedural. 

Estudio de juegos: disciplina académica que nos acerca al diseño del uego mirando desde una crítica y medio cultural.

Aparte de hablarnos sobre su vida y sus gustos, Lara da un repaso sobre los primeros escritores importantes que nos hablaban del juego;

Johan Huizinga es un filósofo e historiador. Publicó "Homo Ludens" en 1938, en el cual intenta definir qué es jugar. 

Roger Caillois es un sociólogo. En 1961 edita el ensayo "Los juegos y los hombres".

Brian Sutton Smith es un australiano y teórico que tiene editados muchos textos, sobretodo juegos tradicionales vinculados a lo educativo. 

Por último destacar las primeras apariciones de los juegos digitales;

1961 Space war es uno de los primeros videojuegos creados con un ordenador PP1.

1974 Se creó otro juego llamado Maze war.

1976 Se crearon los primeros juegos de aventura.

1980 Primeros juegos recreativos.

Década 1990 se creó el Software libre, freeware y shareware.

Década 2000; juegos independientes. Tú puedes desarrollar un juego y ofrecerlo a tus visitantes. Aparecen las primeras plataformas para juegos.

 

 

EL PAPEL DEL ARTISTA EN LA SOCIEDAD

Hemos leído y analizado el siguiente texto sobre el papel del artista en la sociedad según Albert Camus:

Albert Camus. 1913 /1960.
Premio Nobel de Literatura 1957.-
Hoy, todo artista está embarcado en la galera de su tiempo. Y debe resignarse a ello, aun cuando le parezca que esta galera huele a arenque, que los cómitres son verdaderamente demasiados y que, por añadiduría, se está doblando mal el cabo. Nos hallamos en alta mar. El artista, como los otros, tiene que remar a su vez sin morir; es decir, debe continuar viviendo y creando. A decir verdad, no es cosa fácil y comprendo que los artistas añoren su antiguo bienestar. El cambio es un tanto brutal. Cierto es que siempre hubo en el circo de la historia mártires y leones. Los primeros se sustentaban con consuelos eternos; los segundos, de alimento histórico bien sangrante. Pero hasta ahora el artista ocupaba un lugar en las gradas. Cantaba por cantar, para sí mismo o, en el mejor de los casos, para alentar al mártir y distraer un poco al león de su apetito. Ahora, en cambio, el artista se encuentra en la propia arena; su voz, su fuerza, ya no es la misma. Es mucho menos segura…
El hecho de que el artista ponga en tela de juicio el arte tiene muchas razones, de las que sólo bastará señalar las más importantes. En el mejor de los casos, ese enjuiciamiento se explica por la impresión que puede tener el artista contemporáneo de mentir o de hablar por hablar… En efecto, lo que caracteriza a esta época es la irrupción de las masas y de su condición miserable, frente a la sensibilidad contemporánea. Ahora sabemos que existe… siendo así que se tenía tendencia a olvidarlas. Y si lo sabemos, no es porque las élites, artísticas o de otra índole, se hayan hecho mejores; no, tranquilicémonos. Es que las masas se hicieron más fuertes e impiden que se las ignore… Hay aún otras razones, y algunas menos nobles, de esta misión del artista. Pero cualesquiera sean estas razones, todas ellas concurren en el mismo fin: desalentar la creación libre, atacando su principio esencial, que es la fe del creador en sí mismo. “La obediencia de un hombre a su propio genio- dijo magníficamente Emerson- es la fe por la excelencia”. Y otro escritor norteamericano del siglo XIX agregaba: “Mientras un hombre permanece fiel a sí mismo, todo abunda en su sentido, gobierno, sociedad, el mismo sol, la luna y las estrellas”.
En la mayor parte de los casos, el artista se avergüenza de sí mismo y de sus privilegios, si los tiene. Debe responder ante todo a la pregunta que él mismo se formula: ¿Es el arte un lujo mentiroso?.
La primera respuesta honesta que pueda darse es ésta: ocurre, en efecto, que el arte es un lujo mentiroso. En la toldilla de las galeras siempre y en todas partes se puede , lo sabemos, cantar a alas estrellas mientras los forzados reman y se agotan en la cala; siempre puede registrarse la conversación mundana que se mantiene en las gradas del circo, mientras la víctima queda destrozada entre los dientes del león. Y es muy difícil objetar algo a ese arte que conoció grandes éxitos en el pasado. Sólo que las cosas cambiaron un poco; sobre todo, el número de galeotes y de mártires aumentó prodigiosamente en la superficie del globo. Frente a tanta miseria, ese arte, si pretende continuar siendo un lujo, debe aceptar hoy ser también una mentira. La mentira del arte por el arte fingía ignorar el mal y asumía sí la responsabilidad de él; pero al mentira realista, si asume con coraje la responsabilidad de reconocer la desdicha presente de los hombres, traiciona asimismo gravemente esa desdicha presente de los hombres, al utilizarla para exaltar una felicidad futura de la que nadie sabe nada y que, por lo tanto, autoriza todos los engaños.
¿Hay que llegar pues, a la conclusión de que esta mentira es la esencia misma del arte?. Yo diría, en cambio, que las actitudes de las que hablé no son mentira, sino en al medida en que no tienen gran cosa que ver con el arte. ¿Qué es, pues, el arte?. Cosa nada sencilla, eso es seguro. Y resulta aún más difícil comprenderlo en medio de los gritos de tanta gente desdichada con encarnizamiento a simplificarlo todo.
Por una parte se quiere que el genio sea espléndido y solitario; por otra, se le impone que sea semejante a todos. ¡Ay la realidad es más compleja!. Y Balzac lo hizo sentir en una frase: “El genio se parece a todo el mundo y nada se parece a él”. Y esto cabe afirmar del arte, que no es nada sin la realidad, y sin el cual la realidad es poca cosa. El arte, en cierto sentido, es una rebelión contra el mundo en lo que éste tiene de fugitivo y de inacabado: no se propone, pues, sino dar otra forma a una realidad que sin embargo él está obligado a conservar, porque ella es la fuente de su emoción. En este sentido, todos somos realistas y nadie lo es. El arte no es ni el repudio total de lo existe, ni la aceptación total de lo que existe. Es al mismo tiempo repudio y aceptación. Y por eso no puede ser sino un desgarramiento perpetuamente renovado. El artista se encuentra siempre en esta ambigüedad, incapaz de negar lo real y sin embargo eternamente desdichado a discutirlo en que lo real tiene de eternamente inacabado. Para hacer una naturaleza muerta es menester que se enfrenten y se corrijan recíprocamente un pintor y una manzana. Y si las formas no son nada sin la luz del mundo, ellas a su vez agregan algo a esa luz. El universo real que por su esplendor, suscita los cuerpos y las estatuas recibe de ellos al mismo tiempo una segunda luz, que fija la del cielo… No se trata, pues, de saber si el arte debe huir de los real o someterse a lo real , sino tan sólo de saber qué dosis exacta de lo real debe conservar la obra para no desaparecer en las nubes o, por otra parte, arrastrase con plantillas de plomo. La obra más elevada será siempre la que equilibre lo real y el repudio que el hombre opone a la realidad…
Evidentemente el valor más calumniado hoy día es el valor de libertad… Se trata de saber que sin la libertad no realizaremos nada. Y que a la vez perderemos la justicia futura y la belleza antigua. Únicamente la libertad saca a los hombres del aislamiento. La servidumbre se cierne sólo sobre una multitud de soledades. (…) Mi conclusión será sencilla. Consistirá en decir, aun en medio del estrépito y del furor de nuestra historia: ‘Alegrémonos’. Alegrémonos, en efecto, por haber visto morir una Europa mentirosa y cómoda. Y por encontrarnos frente a crueles verdades. Alegrémonos en nuestra condición de hombres, puesto que un prolongado engaño se ha desmoronado y ahora vemos claro lo que nos amenaza. Y alegrémonos en nuestra condición de artistas arrancados al sueño y a la sordera, mantenidos por fuerza frente a la miseria, las prisiones, la sangre…
“Todo muro es una puerta”, dijo con razón Emerson. No busquemos la puerta y la salida sino en el muro contra el cual vivimos. Busquemos el paso donde éste se encuentra, quiero decir, en el centro mismo de la batalla… Se ha dicho que las grandes ideas vienen al mundo en patas de paloma. Si aguzamos el oído, acaso oigamos entonces, en medio del estrépito de los imperios y de las naciones, como un débil aleteo, el suave bullicio de la vida y de la esperanza. Unos dirán que esta esperanza está alimentada por un pueblo; otros, por un hombre. Yo creo, en cambio, que está suscitada, reanimada y alimentada por millones de solitarios, cuyas acciones y obras niegan cada día las fronteras y las más groseras apariencias de la historia para hacer resplandecer fugazmente la verdad, siempre amenazada, que cada cual, con sus sufrimientos y sus goces, eleva para todos.
La meta del arte no es legislar ni reinar, sino que es, ante todo, comprender. Por eso el artista, al término de su camino, absuelve en lugar de condenar. No es juez, sino justificador, es el abogado permanente de la criatura viva, porque ella está viva. Aboga en verdad por amor al prójimo, no por ese amor de lo remoto que degrada al humanismo contemporáneo en catecismo de tribunal. En cambio, la gran obra termina por confundir a todos los jueces. Mediante ella, el artista rinde homenaje a la más elevada figura del hombre y al mismo tiempo se inclina ante el último de los criminales. “No hay uno solo- escribe Wilde en la prisión- de los desdichados encerrados conmigo en este miserable lugar, que no se encuentre en relación simbólica con el secreto de la vida”. Sí, y ese secreto de la vida coincide con el arte…
Hay unas palabras de Gide que yo siempre aprobé: “El arte vive de coacción y muere de libertad”. Eso es cierto, pero no hay que concluir por ello que el arte deba ser dirigido. El arte no vive sino de las coacciones que él mismo se impone: muere por obra de los demás.
El arte más libre y el más sublevado será, pues, el más clásico. Coronará el mayor esfuerzo. Mientras una sociedad y sus artistas no consientan en realizar este prolongado y libre esfuerzo, mientras no se abandonen a la comodidad de los enfrentamientos o a la del conformismo, a los juegos del arte por el arte o a las predicas del arte realista, permanecerán en el nihilismo y en la esterilidad. Decir esto equivale a decir que hoy el renacimiento depende de nuestro coraje y de nuestra voluntad de clarividencia.

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A continuación anotaré los puntos claves que nos cuenta Albert Camus en este texto;

Estoy de acuerdo en que el artista debe continuar viviendo y creando. Un buen artista continuamente debe crecerse y crear cosas nuevas.
El arte no es nada sin la realidad y la realidad sin el arte es poca cosa. El arte tan solo debe saber qué dosis exacta de realidad debe conservar la obra para no desaparecer. Pienso que un artista debe ser el reflejo de la sociedad que transmite lo que está pasando.
Por otro lado, el texto es un texto desfasado ya que en algunos puntos no opino igual.
Nos cuenta que antes los artistas vivían mejor que hoy en día y no es así. No se da cuenta que ninguna época fue buena para el artista. Hace décadas había también pocos artistas que destacasen, y los que destacaban lo pasaron muy mal para poder llegar dónde llegaron.
Ahora hay muchos tipos de arte, pero la mayoría se desarrolla un arte no dirigido a la élite, si no a la mejoría de la vida de la clase media y baja. Quieren mostrar el día a día.

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También quiero añadir estos vídeos que hemos visto y comentado:

http://www.youtube.com/watch?v=mmQLvoGHiXg
http://www.youtube.com/watch?v=twL3xTa5L4U
http://www.youtube.com/watch?v=oATToFqlTRA
http://www.youtube.com/watch?v=DVt8CcwNN48
http://www.youtube.com/watch?v=y7CoGAbxQmE

Es un reportaje sobre ARTE Y SOCIEDAD en el Arte Contemporáneo.
Son muy interesantes estos vídeos y nos muestran la realidad;

Cuando vemos el arte del pasado nos hace sentir emoción, ¿pero el arte de ahora también?
Hoy en día nos domina la incertidumbre. ¿Qué somos ahora? ¿En qué creemos? ¿A dónde nos dirigimos?
No sabemos que dirán en el futuro cuando analicen el arte nuestro de ahora ya que hay una ruptura total con el arte del pasado.
Una frase que me gustó de uno de los vídeos y que resumen que es el arte es la siguiente: "El arte se hace, se promociona y se vende"
Solo somos lo que el consumismo dice que somos. Arte/Consumismo van juntos de la mano.

¿QUÉ ES EL ARTE?

Me he leído este artículo que adjunto y he hecho un resumen sobre qué es el arte.

www.lavanguardia.com/cultura/20131207/54395274278/que-es-arte.html

El articulo nos habla de la feria Art Basel Miami Beach, que consta de 258 galerías y 2.000 artistas. 

Nos cuenta que a partir del Urinario de Duchamp cambió la definición de arte. 

Algunos ejemplos de obras que han expuesto en esta feria son los siguientes:

Una mochila en el suelo, una sartén en un honillo, un aire acondicionado con una maceta, un sillón para la siesta, una moto plateada con un pájaro muerto en el depósito de gasolina,...

Los visitantes ante estas obras se quedan con cara de estupefacción.

¿Qué pasa cuando esto ya no lo provoca al público y se piensan que les estás tomando el pelo?

Incluso el artículo define una obra de una motocicleta vespa roja como un objeto que debió formar parte del pasado de algún tio abuelo del artista y lo colocó en la feria.

Son muchos los que no entienden el arte actual y piensan que es una tomadura de pelo. 

En realidad el artista de ahora nos enseña lo que conoce en su sociedad, quiere hacer un mundo mejor señalando lo malo de la sociedad en la actualidad.

Pero.. ¿todo vale para que sea arte?

Un comentario realizado por una lectora de la vanguardia opina lo siguiente:

"Arte es todo lo que se puede comprar hoy y vender al doble de precio al cabo de unos pocos años."

Entonces, ¿estamos hablando que el arte es solo un comercio? No lo compras porque te guste la obra o valga la pena si no para luego venderlo y ganar más dinero.

TEORÍA TRABAJO DE INVESTIGACIÓN

A continuación explicaré todas las pautas a seguir para realizar un trabajo de investigación.

Da igual la rama en la que estés estudiando o la investigación que quieras realizar; la forma de plantearlo y la estructura es la misma.

Hay que partir de que un trabajo de investigación es la BÚSQUEDA DE LA VERDAD.
En esa búsqueda hay que plantear una hipótesis y unos objetivos que serán respondidos en la parte final de la conclusión.

El trabajo se dividirá en los siguientes apartados:

1. PORTADA

La portada debe ser sencilla y precisa. Contiene primero el nombre de la persona que realiza el trabajo, el título, el nombre del profesor, y por último el curso académico. 

2. RESUMEN

El resumen se escribirá al final de realizar el trabajo.

3. ÍNDICE

4. PRESENTACIÓN / INTRODUCCIÓN

5. DESARROLLO

5.1. HIPÓTESIS

Es la idea de la que partes, el enunciado. Es algo positivo, siempre una afirmación.

5.2. OBJETIVOS

Los objetivos se redactan en infinitivo. Deben ser concretos y precisos.

5.3. ANTECEDENTES

Buscar trabajos de investigación ya realizados con temas parecidos. Para encontrar fuentes fiables podemos ir a las bibliotecas o buscar por internet en el apartado de google académico.
No hay que olvidar en guardar toda esa información para poder demostrarlo y adjuntar a la bibliografía.

5.4. METODOLOGÍA

Descripción de qué métodos usarías para contar la verdad. Se pueden emplear dos métodos para comprobar:
Cualitativo; cualidades que nos describen, apreciaciones.
Cuantitativo: Cualidades en forma numérica, de cantidad.

5.5. TRABAJO DE CAMPO

Realizas la metodología que habías planteado en el apartado anterior. Experimentos, tests, encuestas, pruebas, dibujos, ...

5.6. ANÁLISIS DE RESULTADOS

Según la metodología que has realizado, explicar los resultados con porcentajes.


6. CONCLUSIONES

Lo primero, hay que volver a nombrar la hipótesis y los objetivos de la investigación y llegar a conclusiones según los resultados obtenidos y decir si estás en condiciones de decir que es verdadera o falsa esa hipótesis planteada al principio.

7. BIBLIOGRAFÍA

Tiene que ser coherente. Primero se añaden los libros, después artículos, catálogos y webs. Se debe seguir las normas de la APA6 para realizar una descripción correcta de toda la información.

* Quiero destacar que la bibliografía es diferente a las referencias. La diferencia es que las referencias son aquellos libros y artículos citados dentro del trabajo. La bibliografía son todos los libros que has leído aunque no sean citados, o también libros interesantes que recomiendas.

JUAN FRANCISCO CASAS

www.juanfranciscocasas.com/

Artista nacido en Jaén, 1976. Licenciado y doctorado en Bellas Artes en la Universidad de Granada. 

Su obra se desarrolla principalmente en el campo de la pintura. Desde hace unos años se decanta más en el campo del dibujo, el cual ha sido más reconocido realizando obras de gran tamaño con bolígrafo Bic azul.

¿QUÉ OPINAS DE ESTE ARTISTA?

Al ver una serie de obras suyas, he apuntado algunas palabras clave que me surgieron;

- Cuerpo
- Acto sexual o sexo
- Diversión
- Picardía
- Fantasías
- Mujeres

EL ARTE DE ESTRANGULAR

Jerome Platz (Max Minghella), un joven artista de gran talento, se escapa del instituto para ir a una modesta escuela de arte de la Costa Este. Allí sueña con llegar a ser como Picasso, el artista más importante del mundo. Pero, por desgracia, la belleza y el valor artístico de los retratos de Jerome no son debidamente apreciados.

En esta película podemos ver muchos temas que tratan dentro del ámbito del arte. Es un reflejo claro de la sociedad, la cual para algunos ser artista sólo se consigue a base de contactos y sin tener una obra buena.

A continuación pondré algunos de los comentarios que realizan en la película, los cuales algunos pienso que tienen razón y otros que no;

- "Soy un genio y aunque soy feo ligo mucho"

- "Para ganar dinero, estudiar cualquier cosa menos arte. Estudiar economía por ejemplo... Sólo 1 de cada 100 podrá ganarse la vida como artista."

- "Las obras antiguas más importantes solo están realizadas por hombres y de piel blanca."

- "Para poder ser un buen y gran artista, hay que serlo y nacer con ello, eso no se hace."

- "Cualquier idiota puede exponer en una galería de estudiantes."

- No se trata de como lo hagas o como pintes, si no de tener contactos.

- Artista: ¿loco o genio?

CONFERENCIA JÖRG PLICKAT

LA ESCULTURA ABSTRACTA HOY

www.plickat-sculpture.de

Artista importante en la actualidad con obras por todo el mundo.

Desde el 2007 realiza un "Workshop" con China. Explica la teoría de la formacon escultura tanto tradicional como actual. 

En la primera parte de la conferencia Plickat nos mostró los trabajos realizados por estudiantes chinos. Variedad de esculturas con diversidad de materiales; los estudiantes utilizaban metal, textil, piedras, papel chinés, madera e incluso bolsas de basura para realizar una escultura. 

   

Jörg nos explica los pasos que hay que seguir para realizar una escultura:

Primero hay que saber y definir la idea, realizar bocetos, pensar como hacerlo, el material, calcular tiempos, presupuestos, como trabajar con el material, las técnicas... Definir todos estos puntos y tenerlos claros para que a la hora de ponerse a trabajar no haya problemas. 

En la segunda fase se realiza el proyecto como tenías pensado.

Por último se observa el trabajo, si está bien hecho, si funciona, si hay que cambiar alguna cosa, y comparar las dos primeras fases si has conseguido realizar lo que tenías pensado. 

 

En la segunda parte de la conferencia, Plickat nos explico su larga trayectoría artística, pudiendo disfrutar de ver la cantidad de obras que ha realizado y tiene por todo el mundo. 

Los proyectos principales que nos muestra este artista con una serie de esculturas flotantes, colocadas en el mar, en lagos, ... Pretende conectar la escultura con un lugar que contenga un gran peso.

A parte de los proyectos de esculturas flotantes de Plickat, realiza esculturas de todos los tamaños para otros lugares, sean hospitales, parques, sitios importantes, ... 

Trabaja con todo tipo de materiales; acero, mármol, hierro, bronce, etc.

 En conclusión, ha sido una conferencia interesante y agradecida por conocer artistas importantes.