CLASE JUEVES 27 MARZO

Por razones de una HUELGA DE EDUCACIÓN, la clase de hoy ha sido diferente.

Hemos disfrutado de una clase distinta; dialogar, comentar, opinar y criticar temas que vivimos hoy en día; crisis, consumo, familia, infancia, vivencias de cada uno e incluso anécdotas....

Me pareció una clase muy interesante porque siempre viene bien hablar de temas cotidianos y de nuestras vivencias con gente que compartes muchas horas durante meses.

CÓDIGOS DEONTOLÓGICOS DEL ARTISTA

Un Código Deontológico nos permite recoger una serie de estándares éticos de cómo actuar, de buenas prácticas, de lo que está bien hacer en un determinado sector. 

Existe el Código para todas las diferentes actividades profesionales: el Código Deontológico de la Abogacía, el Código Deontológico en el Periodismo, el Código de Deontología Médica...

En este caso, nosotros nos decantaremos por nuestra rama; los Códigos Deontológicos del artista.

Para saber esos códigos podemos descargarnos estos documentos que encontraréis en la siguiente página web:

www.avam.net/index.php?option=com_content&task=category&sectionid=22&id=41&Itemid=85&lang=es


O esta otra página que es un resumen de los anteriores textos, el cual te puede quedar más claro:

http://www.iac.org.es/wp-content/uploads/2011/05/C%C3%B3digo-deontol%C3%B3gico-del-IAC.pdf


Un artista debe tener conocimiento de estos códigos para saber cómo actuar en el mundo del arte.

Por ejemplo, decantándome por el DECÁLOGO DE BUENAS PRÁCTICAS PROFESIONALES;
En la primera cláusula nos comenta "Respeto a la libertad de creación y expresión". Si ponen esta norma es porque no se suele cumplir. Es anticonstitucional si no te respetan, al igual que es anticonstitucional aquellos que difundan la obra de un artista sin el consentimiento del mismo.
También hay que "Respetar los derechos morales del artista". Cuando te compran una obra y el coleccionista decide por ejemplo partir esa obra en trozos para sus herederos. Si tú no quieres que esa obra se separe, tu tienes los derechos ante ella, tú decides cómo es la obra, cómo debe ser expuesta, cómo se debe conservar e incluso limpiar.

Normas como acabo de exponer ejemplos, son importantes conocer para saber manejarte en el mundo del arte y te respeten.

CONFERENCIA ARTE Y VIDEOJUEGOS

LARA SÁNCHEZ COTERÓN

laracoteron.wordpress.com/

Lara Coterón, doctorada en 2012 en Bellas Artes UCM en el campo de Arte y videojuegos. 

Imparte asignaturas en diseño y desarrollo de videojuegos. 

Escribe artículos de reflexiones e investigación en relación con los juegos digitales. Publicó en Mondo-pixel.

Ha creado y comisariado proyectos para Medialab, Matadero...

Ha sido jurado en algunos concursos: Ho plai.  

En su página web nos muestra su próximo trabajo; unos talleres de diseño situados en Medialab Prado durante el 8 y 9 de Abril.

Desde 2009 participa en un colectivo artístico el cual hacen proyectos donde combinan el diseño de juegos con otros tipos de arte; plástica, teatro..

Un ejemplo fue un proyecto llamado "Mata a la Reina" en el Matadero. Este proyecto era un teatro de acción en primera persona, un juego interactivo. 

 Lara nos habla de sus juegos favoritos; son esos juegos de interacción directa entre jugadores. Multijugador local. También le gustan los juegos dónde no hay un objetivo muy claro, son juegos llamados de bajo perfil procedural. 

Estudio de juegos: disciplina académica que nos acerca al diseño del uego mirando desde una crítica y medio cultural.

Aparte de hablarnos sobre su vida y sus gustos, Lara da un repaso sobre los primeros escritores importantes que nos hablaban del juego;

Johan Huizinga es un filósofo e historiador. Publicó "Homo Ludens" en 1938, en el cual intenta definir qué es jugar. 

Roger Caillois es un sociólogo. En 1961 edita el ensayo "Los juegos y los hombres".

Brian Sutton Smith es un australiano y teórico que tiene editados muchos textos, sobretodo juegos tradicionales vinculados a lo educativo. 

Por último destacar las primeras apariciones de los juegos digitales;

1961 Space war es uno de los primeros videojuegos creados con un ordenador PP1.

1974 Se creó otro juego llamado Maze war.

1976 Se crearon los primeros juegos de aventura.

1980 Primeros juegos recreativos.

Década 1990 se creó el Software libre, freeware y shareware.

Década 2000; juegos independientes. Tú puedes desarrollar un juego y ofrecerlo a tus visitantes. Aparecen las primeras plataformas para juegos.

 

 

EL PAPEL DEL ARTISTA EN LA SOCIEDAD

Hemos leído y analizado el siguiente texto sobre el papel del artista en la sociedad según Albert Camus:

Albert Camus. 1913 /1960.
Premio Nobel de Literatura 1957.-
Hoy, todo artista está embarcado en la galera de su tiempo. Y debe resignarse a ello, aun cuando le parezca que esta galera huele a arenque, que los cómitres son verdaderamente demasiados y que, por añadiduría, se está doblando mal el cabo. Nos hallamos en alta mar. El artista, como los otros, tiene que remar a su vez sin morir; es decir, debe continuar viviendo y creando. A decir verdad, no es cosa fácil y comprendo que los artistas añoren su antiguo bienestar. El cambio es un tanto brutal. Cierto es que siempre hubo en el circo de la historia mártires y leones. Los primeros se sustentaban con consuelos eternos; los segundos, de alimento histórico bien sangrante. Pero hasta ahora el artista ocupaba un lugar en las gradas. Cantaba por cantar, para sí mismo o, en el mejor de los casos, para alentar al mártir y distraer un poco al león de su apetito. Ahora, en cambio, el artista se encuentra en la propia arena; su voz, su fuerza, ya no es la misma. Es mucho menos segura…
El hecho de que el artista ponga en tela de juicio el arte tiene muchas razones, de las que sólo bastará señalar las más importantes. En el mejor de los casos, ese enjuiciamiento se explica por la impresión que puede tener el artista contemporáneo de mentir o de hablar por hablar… En efecto, lo que caracteriza a esta época es la irrupción de las masas y de su condición miserable, frente a la sensibilidad contemporánea. Ahora sabemos que existe… siendo así que se tenía tendencia a olvidarlas. Y si lo sabemos, no es porque las élites, artísticas o de otra índole, se hayan hecho mejores; no, tranquilicémonos. Es que las masas se hicieron más fuertes e impiden que se las ignore… Hay aún otras razones, y algunas menos nobles, de esta misión del artista. Pero cualesquiera sean estas razones, todas ellas concurren en el mismo fin: desalentar la creación libre, atacando su principio esencial, que es la fe del creador en sí mismo. “La obediencia de un hombre a su propio genio- dijo magníficamente Emerson- es la fe por la excelencia”. Y otro escritor norteamericano del siglo XIX agregaba: “Mientras un hombre permanece fiel a sí mismo, todo abunda en su sentido, gobierno, sociedad, el mismo sol, la luna y las estrellas”.
En la mayor parte de los casos, el artista se avergüenza de sí mismo y de sus privilegios, si los tiene. Debe responder ante todo a la pregunta que él mismo se formula: ¿Es el arte un lujo mentiroso?.
La primera respuesta honesta que pueda darse es ésta: ocurre, en efecto, que el arte es un lujo mentiroso. En la toldilla de las galeras siempre y en todas partes se puede , lo sabemos, cantar a alas estrellas mientras los forzados reman y se agotan en la cala; siempre puede registrarse la conversación mundana que se mantiene en las gradas del circo, mientras la víctima queda destrozada entre los dientes del león. Y es muy difícil objetar algo a ese arte que conoció grandes éxitos en el pasado. Sólo que las cosas cambiaron un poco; sobre todo, el número de galeotes y de mártires aumentó prodigiosamente en la superficie del globo. Frente a tanta miseria, ese arte, si pretende continuar siendo un lujo, debe aceptar hoy ser también una mentira. La mentira del arte por el arte fingía ignorar el mal y asumía sí la responsabilidad de él; pero al mentira realista, si asume con coraje la responsabilidad de reconocer la desdicha presente de los hombres, traiciona asimismo gravemente esa desdicha presente de los hombres, al utilizarla para exaltar una felicidad futura de la que nadie sabe nada y que, por lo tanto, autoriza todos los engaños.
¿Hay que llegar pues, a la conclusión de que esta mentira es la esencia misma del arte?. Yo diría, en cambio, que las actitudes de las que hablé no son mentira, sino en al medida en que no tienen gran cosa que ver con el arte. ¿Qué es, pues, el arte?. Cosa nada sencilla, eso es seguro. Y resulta aún más difícil comprenderlo en medio de los gritos de tanta gente desdichada con encarnizamiento a simplificarlo todo.
Por una parte se quiere que el genio sea espléndido y solitario; por otra, se le impone que sea semejante a todos. ¡Ay la realidad es más compleja!. Y Balzac lo hizo sentir en una frase: “El genio se parece a todo el mundo y nada se parece a él”. Y esto cabe afirmar del arte, que no es nada sin la realidad, y sin el cual la realidad es poca cosa. El arte, en cierto sentido, es una rebelión contra el mundo en lo que éste tiene de fugitivo y de inacabado: no se propone, pues, sino dar otra forma a una realidad que sin embargo él está obligado a conservar, porque ella es la fuente de su emoción. En este sentido, todos somos realistas y nadie lo es. El arte no es ni el repudio total de lo existe, ni la aceptación total de lo que existe. Es al mismo tiempo repudio y aceptación. Y por eso no puede ser sino un desgarramiento perpetuamente renovado. El artista se encuentra siempre en esta ambigüedad, incapaz de negar lo real y sin embargo eternamente desdichado a discutirlo en que lo real tiene de eternamente inacabado. Para hacer una naturaleza muerta es menester que se enfrenten y se corrijan recíprocamente un pintor y una manzana. Y si las formas no son nada sin la luz del mundo, ellas a su vez agregan algo a esa luz. El universo real que por su esplendor, suscita los cuerpos y las estatuas recibe de ellos al mismo tiempo una segunda luz, que fija la del cielo… No se trata, pues, de saber si el arte debe huir de los real o someterse a lo real , sino tan sólo de saber qué dosis exacta de lo real debe conservar la obra para no desaparecer en las nubes o, por otra parte, arrastrase con plantillas de plomo. La obra más elevada será siempre la que equilibre lo real y el repudio que el hombre opone a la realidad…
Evidentemente el valor más calumniado hoy día es el valor de libertad… Se trata de saber que sin la libertad no realizaremos nada. Y que a la vez perderemos la justicia futura y la belleza antigua. Únicamente la libertad saca a los hombres del aislamiento. La servidumbre se cierne sólo sobre una multitud de soledades. (…) Mi conclusión será sencilla. Consistirá en decir, aun en medio del estrépito y del furor de nuestra historia: ‘Alegrémonos’. Alegrémonos, en efecto, por haber visto morir una Europa mentirosa y cómoda. Y por encontrarnos frente a crueles verdades. Alegrémonos en nuestra condición de hombres, puesto que un prolongado engaño se ha desmoronado y ahora vemos claro lo que nos amenaza. Y alegrémonos en nuestra condición de artistas arrancados al sueño y a la sordera, mantenidos por fuerza frente a la miseria, las prisiones, la sangre…
“Todo muro es una puerta”, dijo con razón Emerson. No busquemos la puerta y la salida sino en el muro contra el cual vivimos. Busquemos el paso donde éste se encuentra, quiero decir, en el centro mismo de la batalla… Se ha dicho que las grandes ideas vienen al mundo en patas de paloma. Si aguzamos el oído, acaso oigamos entonces, en medio del estrépito de los imperios y de las naciones, como un débil aleteo, el suave bullicio de la vida y de la esperanza. Unos dirán que esta esperanza está alimentada por un pueblo; otros, por un hombre. Yo creo, en cambio, que está suscitada, reanimada y alimentada por millones de solitarios, cuyas acciones y obras niegan cada día las fronteras y las más groseras apariencias de la historia para hacer resplandecer fugazmente la verdad, siempre amenazada, que cada cual, con sus sufrimientos y sus goces, eleva para todos.
La meta del arte no es legislar ni reinar, sino que es, ante todo, comprender. Por eso el artista, al término de su camino, absuelve en lugar de condenar. No es juez, sino justificador, es el abogado permanente de la criatura viva, porque ella está viva. Aboga en verdad por amor al prójimo, no por ese amor de lo remoto que degrada al humanismo contemporáneo en catecismo de tribunal. En cambio, la gran obra termina por confundir a todos los jueces. Mediante ella, el artista rinde homenaje a la más elevada figura del hombre y al mismo tiempo se inclina ante el último de los criminales. “No hay uno solo- escribe Wilde en la prisión- de los desdichados encerrados conmigo en este miserable lugar, que no se encuentre en relación simbólica con el secreto de la vida”. Sí, y ese secreto de la vida coincide con el arte…
Hay unas palabras de Gide que yo siempre aprobé: “El arte vive de coacción y muere de libertad”. Eso es cierto, pero no hay que concluir por ello que el arte deba ser dirigido. El arte no vive sino de las coacciones que él mismo se impone: muere por obra de los demás.
El arte más libre y el más sublevado será, pues, el más clásico. Coronará el mayor esfuerzo. Mientras una sociedad y sus artistas no consientan en realizar este prolongado y libre esfuerzo, mientras no se abandonen a la comodidad de los enfrentamientos o a la del conformismo, a los juegos del arte por el arte o a las predicas del arte realista, permanecerán en el nihilismo y en la esterilidad. Decir esto equivale a decir que hoy el renacimiento depende de nuestro coraje y de nuestra voluntad de clarividencia.

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A continuación anotaré los puntos claves que nos cuenta Albert Camus en este texto;

Estoy de acuerdo en que el artista debe continuar viviendo y creando. Un buen artista continuamente debe crecerse y crear cosas nuevas.
El arte no es nada sin la realidad y la realidad sin el arte es poca cosa. El arte tan solo debe saber qué dosis exacta de realidad debe conservar la obra para no desaparecer. Pienso que un artista debe ser el reflejo de la sociedad que transmite lo que está pasando.
Por otro lado, el texto es un texto desfasado ya que en algunos puntos no opino igual.
Nos cuenta que antes los artistas vivían mejor que hoy en día y no es así. No se da cuenta que ninguna época fue buena para el artista. Hace décadas había también pocos artistas que destacasen, y los que destacaban lo pasaron muy mal para poder llegar dónde llegaron.
Ahora hay muchos tipos de arte, pero la mayoría se desarrolla un arte no dirigido a la élite, si no a la mejoría de la vida de la clase media y baja. Quieren mostrar el día a día.

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También quiero añadir estos vídeos que hemos visto y comentado:

http://www.youtube.com/watch?v=mmQLvoGHiXg
http://www.youtube.com/watch?v=twL3xTa5L4U
http://www.youtube.com/watch?v=oATToFqlTRA
http://www.youtube.com/watch?v=DVt8CcwNN48
http://www.youtube.com/watch?v=y7CoGAbxQmE

Es un reportaje sobre ARTE Y SOCIEDAD en el Arte Contemporáneo.
Son muy interesantes estos vídeos y nos muestran la realidad;

Cuando vemos el arte del pasado nos hace sentir emoción, ¿pero el arte de ahora también?
Hoy en día nos domina la incertidumbre. ¿Qué somos ahora? ¿En qué creemos? ¿A dónde nos dirigimos?
No sabemos que dirán en el futuro cuando analicen el arte nuestro de ahora ya que hay una ruptura total con el arte del pasado.
Una frase que me gustó de uno de los vídeos y que resumen que es el arte es la siguiente: "El arte se hace, se promociona y se vende"
Solo somos lo que el consumismo dice que somos. Arte/Consumismo van juntos de la mano.

¿QUÉ ES EL ARTE?

Me he leído este artículo que adjunto y he hecho un resumen sobre qué es el arte.

www.lavanguardia.com/cultura/20131207/54395274278/que-es-arte.html

El articulo nos habla de la feria Art Basel Miami Beach, que consta de 258 galerías y 2.000 artistas. 

Nos cuenta que a partir del Urinario de Duchamp cambió la definición de arte. 

Algunos ejemplos de obras que han expuesto en esta feria son los siguientes:

Una mochila en el suelo, una sartén en un honillo, un aire acondicionado con una maceta, un sillón para la siesta, una moto plateada con un pájaro muerto en el depósito de gasolina,...

Los visitantes ante estas obras se quedan con cara de estupefacción.

¿Qué pasa cuando esto ya no lo provoca al público y se piensan que les estás tomando el pelo?

Incluso el artículo define una obra de una motocicleta vespa roja como un objeto que debió formar parte del pasado de algún tio abuelo del artista y lo colocó en la feria.

Son muchos los que no entienden el arte actual y piensan que es una tomadura de pelo. 

En realidad el artista de ahora nos enseña lo que conoce en su sociedad, quiere hacer un mundo mejor señalando lo malo de la sociedad en la actualidad.

Pero.. ¿todo vale para que sea arte?

Un comentario realizado por una lectora de la vanguardia opina lo siguiente:

"Arte es todo lo que se puede comprar hoy y vender al doble de precio al cabo de unos pocos años."

Entonces, ¿estamos hablando que el arte es solo un comercio? No lo compras porque te guste la obra o valga la pena si no para luego venderlo y ganar más dinero.

TEORÍA TRABAJO DE INVESTIGACIÓN

A continuación explicaré todas las pautas a seguir para realizar un trabajo de investigación.

Da igual la rama en la que estés estudiando o la investigación que quieras realizar; la forma de plantearlo y la estructura es la misma.

Hay que partir de que un trabajo de investigación es la BÚSQUEDA DE LA VERDAD.
En esa búsqueda hay que plantear una hipótesis y unos objetivos que serán respondidos en la parte final de la conclusión.

El trabajo se dividirá en los siguientes apartados:

1. PORTADA

La portada debe ser sencilla y precisa. Contiene primero el nombre de la persona que realiza el trabajo, el título, el nombre del profesor, y por último el curso académico. 

2. RESUMEN

El resumen se escribirá al final de realizar el trabajo.

3. ÍNDICE

4. PRESENTACIÓN / INTRODUCCIÓN

5. DESARROLLO

5.1. HIPÓTESIS

Es la idea de la que partes, el enunciado. Es algo positivo, siempre una afirmación.

5.2. OBJETIVOS

Los objetivos se redactan en infinitivo. Deben ser concretos y precisos.

5.3. ANTECEDENTES

Buscar trabajos de investigación ya realizados con temas parecidos. Para encontrar fuentes fiables podemos ir a las bibliotecas o buscar por internet en el apartado de google académico.
No hay que olvidar en guardar toda esa información para poder demostrarlo y adjuntar a la bibliografía.

5.4. METODOLOGÍA

Descripción de qué métodos usarías para contar la verdad. Se pueden emplear dos métodos para comprobar:
Cualitativo; cualidades que nos describen, apreciaciones.
Cuantitativo: Cualidades en forma numérica, de cantidad.

5.5. TRABAJO DE CAMPO

Realizas la metodología que habías planteado en el apartado anterior. Experimentos, tests, encuestas, pruebas, dibujos, ...

5.6. ANÁLISIS DE RESULTADOS

Según la metodología que has realizado, explicar los resultados con porcentajes.


6. CONCLUSIONES

Lo primero, hay que volver a nombrar la hipótesis y los objetivos de la investigación y llegar a conclusiones según los resultados obtenidos y decir si estás en condiciones de decir que es verdadera o falsa esa hipótesis planteada al principio.

7. BIBLIOGRAFÍA

Tiene que ser coherente. Primero se añaden los libros, después artículos, catálogos y webs. Se debe seguir las normas de la APA6 para realizar una descripción correcta de toda la información.

* Quiero destacar que la bibliografía es diferente a las referencias. La diferencia es que las referencias son aquellos libros y artículos citados dentro del trabajo. La bibliografía son todos los libros que has leído aunque no sean citados, o también libros interesantes que recomiendas.

JUAN FRANCISCO CASAS

www.juanfranciscocasas.com/

Artista nacido en Jaén, 1976. Licenciado y doctorado en Bellas Artes en la Universidad de Granada. 

Su obra se desarrolla principalmente en el campo de la pintura. Desde hace unos años se decanta más en el campo del dibujo, el cual ha sido más reconocido realizando obras de gran tamaño con bolígrafo Bic azul.

¿QUÉ OPINAS DE ESTE ARTISTA?

Al ver una serie de obras suyas, he apuntado algunas palabras clave que me surgieron;

- Cuerpo
- Acto sexual o sexo
- Diversión
- Picardía
- Fantasías
- Mujeres

EL ARTE DE ESTRANGULAR

Jerome Platz (Max Minghella), un joven artista de gran talento, se escapa del instituto para ir a una modesta escuela de arte de la Costa Este. Allí sueña con llegar a ser como Picasso, el artista más importante del mundo. Pero, por desgracia, la belleza y el valor artístico de los retratos de Jerome no son debidamente apreciados.

En esta película podemos ver muchos temas que tratan dentro del ámbito del arte. Es un reflejo claro de la sociedad, la cual para algunos ser artista sólo se consigue a base de contactos y sin tener una obra buena.

A continuación pondré algunos de los comentarios que realizan en la película, los cuales algunos pienso que tienen razón y otros que no;

- "Soy un genio y aunque soy feo ligo mucho"

- "Para ganar dinero, estudiar cualquier cosa menos arte. Estudiar economía por ejemplo... Sólo 1 de cada 100 podrá ganarse la vida como artista."

- "Las obras antiguas más importantes solo están realizadas por hombres y de piel blanca."

- "Para poder ser un buen y gran artista, hay que serlo y nacer con ello, eso no se hace."

- "Cualquier idiota puede exponer en una galería de estudiantes."

- No se trata de como lo hagas o como pintes, si no de tener contactos.

- Artista: ¿loco o genio?

CONFERENCIA JÖRG PLICKAT

LA ESCULTURA ABSTRACTA HOY

www.plickat-sculpture.de

Artista importante en la actualidad con obras por todo el mundo.

Desde el 2007 realiza un "Workshop" con China. Explica la teoría de la formacon escultura tanto tradicional como actual. 

En la primera parte de la conferencia Plickat nos mostró los trabajos realizados por estudiantes chinos. Variedad de esculturas con diversidad de materiales; los estudiantes utilizaban metal, textil, piedras, papel chinés, madera e incluso bolsas de basura para realizar una escultura. 

   

Jörg nos explica los pasos que hay que seguir para realizar una escultura:

Primero hay que saber y definir la idea, realizar bocetos, pensar como hacerlo, el material, calcular tiempos, presupuestos, como trabajar con el material, las técnicas... Definir todos estos puntos y tenerlos claros para que a la hora de ponerse a trabajar no haya problemas. 

En la segunda fase se realiza el proyecto como tenías pensado.

Por último se observa el trabajo, si está bien hecho, si funciona, si hay que cambiar alguna cosa, y comparar las dos primeras fases si has conseguido realizar lo que tenías pensado. 

 

En la segunda parte de la conferencia, Plickat nos explico su larga trayectoría artística, pudiendo disfrutar de ver la cantidad de obras que ha realizado y tiene por todo el mundo. 

Los proyectos principales que nos muestra este artista con una serie de esculturas flotantes, colocadas en el mar, en lagos, ... Pretende conectar la escultura con un lugar que contenga un gran peso.

A parte de los proyectos de esculturas flotantes de Plickat, realiza esculturas de todos los tamaños para otros lugares, sean hospitales, parques, sitios importantes, ... 

Trabaja con todo tipo de materiales; acero, mármol, hierro, bronce, etc.

 En conclusión, ha sido una conferencia interesante y agradecida por conocer artistas importantes.

TALLER JOSEPH BEUYS

Joseph Beuys decía que el lenguaje es la primera forma de escultura. Desarrolló la escultura social a través del arte, porque a través del arte se construye todo. 

En sus clases llevaba a los alumnos a la autosuficiencia. Deconstruye la educación cambiando los roles. El profesor es la persona que en ese momento está hablando y los demás los alumnos; cuando habla otra persona, la primera deja de ser profesor para ser alumno y la segunda deja de ser alumno y pasa a ser profesor. 

En esta clase hemos decidido basarla en las enseñanzas de Beuys realizando un taller de conversaciones. Sentados en círculo y con una cartulina grande en blanco en el medio, decidimos entre todos dos temas para hablar; en este caso la vejez y el futuro. 

Lo apuntamos en la cartulina y cada uno piense lo que le sugieren esas palabras, lo primero que se nos ocurra. 

-Vejez: Soledad, Experiencia, Muerte y Pérdida de memoria.

-Futuro: Madurez, Retos y Estabilidad.

A continuación relacionamos estas dos palabras con dos objetos escogidos al azar: un carrete de hilo y un estropajo. 

En mi caso relaciono la vejez con el carrete. El carrete está lleno de hilo, lleno de cosas que has vivido y cuanto más mayor te haces, menos hilo te queda, menos vida.

Y el estropajo lo relaciono con el futuro; algo lioso, que da miedo y hay que modelarlo. 

Después conversamos entre todos sobre esos "miedos" que habíamos puesto cada uno y escribiéndolos en la cartulina, incluso dibujando lo que nos decían esas palabras y sacando nuestras conclusiones.

Esta clase que hemos realizado de una forma diferente sirve de mucho;

-Nos sirve para crear ideas que no habíamos pensado antes.

-Para sacar conclusiones de la nada; por ejemplo poniendo los dos objetos encontrados al azar.

-Relacionar conceptos y saber definirlos.

-Fomentar la participación.

-Ayudar a ser objetivo en un tema y ver que todos tenemos los mismos miedos.