UNIDAD DIDÁCTICA ¿CÓMO SE HACE UN CÓMIC?

Una unidad didáctica es un módulo en el que tu vas a enseñar algo, desarrollar un tema que puede durar 1 o más sesiones de trabajo.

A continuación veremos las pautas a seguir para realizar una unidad didáctica poniendo como ejemplo una clase de cómo realizar un cómic.

1. Hay que pensar en el target, el público a quien vas a dar esa clase. A quién va dirigido. Pondremos como ejemplo una clase heterogénea de personas entre 7 a 60 años. Hay que alcanzar un nivel que entiendan todos.

2. Hay que saber y definir el lugar dónde darás la clase, el contexto.

3. Poner nombre a la unidad didáctica, un título: ¿Cómo se hace un cómic?

4. Descripción sencilla de lo que queremos enseñar:

En esta unidad didáctica se va a aprender y desarrollar un taller que se va a mostrar de forma teórica y práctica todas las pautas necesarias para la realización de un cómic. Se empezará con una idea de una historia que vas a llevar a cabo, con los personajes principales, diseño de viñetas, bocetos y el diálogo.

5. Definir los objetivos. Se anuncian en infinitivo. Hay que poner las que luego se van a evaluar y el profesor tiene que cumplir con esos objetivos.

- Conocer los antecedentes del cómic
- Aprender las partes narrativas que se deben seguir para redactar una historia
- Diseñar los personajes principales con sus características y sus rasgos personales
- Conocer los diferentes tipos de viñetas que puede haber en un cómic y realizar bocetos
- Saber las pautas que se deben seguir para escribir un diálogo

6. Definir los contenidos. Los mínimos para aprobar. La unidad didáctica se planificará de la siguiente manera:

Empezaremos el taller con una parte práctica. Los alumnos escribirán en unas 4 líneas una breve historia que contengan dos personajes máximo para luego realizar el cómic. (Tiempo 15 min.)

A continuación parte teórica, se empezará explicando las partes narrativas que hay que seguir para redactar una historia (así compararán después con la breve historieta que han escrito antes) A la vez que se explica las pautas, se enlazará la teoría dando ejemplos de algunos antecedentes del cómic. (Tiempo 30 min.)

Se dejará un tiempo a cada alumno para que corrija y amplie su historia siguiendo las pautas dadas anteriormente (Tiempo 20 min.)

Teoría con diapositivas. Se explicará cómo se diseña un cómic, tipos de viñetas, ejemplos de diversos dibujos y colores anunciando también referencias si es necesario.
A continuación teoría de cómo diseñar un personaje, todas sus características y rasgos necesarios. (Tiempo 40 min.)

Práctica para los alumnos. Diseñarán sus personajes principales, creando bocetos y se colorearán después de haber visto la teórica sobre dibujo y color. (Tiempo 30 min.)

Se explicará a continuación un breve resumen de las pautas a seguir para escribir el diálogo o guión. (Tiempo 30 min.)

Cada alumno realizará el cómic siguiendo su historia escrita anteriormente, con los personajes ya diseñados. El cómic podrá ocupar máximo 3 hojas DinA4. (Tiempo 90 min.)

Para finalizar este taller, pondremos en común cada cómic. Cada alumno mostrará y explicará lo que ha hecho. (Tiempo 10 min. por persona) 


7. Temporalización. Después de definir los objetivos y contenidos, definiremos el tiempo que tendrá cada uno de ellos. Como se puede observar lo he añadido al final de cada contenido.

8. Actividades. Antes de realizar el taller, hay que saber si los alumnos necesitarán visitar alguna exposición, ir a la biblioteca, leer algún libro, etc...

9. Metodología. ¿Qué métodos vas a usar?

- Método Proyecto: simulación de un hecho real. Por ejemplo, el profesor cuenta que le han encargado en un periódico un cómic y hay que hacerlo.
- Método Debate: realizar grupos según las opiniones de cada alumno y debatir un tema.
- Método Magistral: dar una clase teórica.
- Método mesa redonda: el tema que se vaya a explicar ponerlo en común entre todos.
- Método Taller: práctica.
- Dejar que hagan ellos y el profesor nada.

Los métodos que voy a seguir para esta unidad didáctica es el método magistral, método taller y mesa redonda.

10. Medios. ¿Qué necesitas? Para esta taller necesitaremos: un aula con mesas y sillas o pupitres, un ordenador con proyector, rotuladores, pinturas de madera, folios, lápices, ... 

Fungibles: son los que se estropean, bolígrafos, papeles, rotuladores, ...
No fungibles: aula, mesas, ordenador, proyector,...

11. Evaluación. Se puede evaluar de muchas maneras:

- Que evalúen los alumnos al profesor de forma anónima.
- Evaluar el curso si la gente ha aprendido.
- Evaluar el profesor a los alumnos: autoevaluación, cooperativa, de pares o evaluación normal del profesor. 

COMENTARIO DE UN LIBRO

Esta noche dime que me quieres de Federico Moccia, este es el libro que he decidido comentar.

Autor; Federico Moccia, nacido en 1963 en Roma, por eso casi todas sus novelas nos muestran la historia reflejada en Italia. Ha trabajado en el cine y como guionista de televisión.

Autor de Perdona si te llamo amor (Planeta 2008), A tres metros sobre el cielo (Planeta 2008) Tengo ganas de ti (Planeta 2009), Perdona pero quiero casarme contigo (Planeta 2010) y Carolina se enamora (Planeta 2011). De todas ellas se ha hecho la versión cinematográfica y algunas en España.

Todas las novelas de este autor son de amor y juveniles. En cambio, ésta en concreto es una novela más madura, no es juvenil ya que nos muestran promesas, culpas, secretos, juegos, sufrimiento, infidelidad, sentimientos y pensamientos de una persona adulta.

SINOPSIS

En la novela aparecen tres personajes principales;

Por una parte esta Sofía, una joven promesa del piano, hasta que una estúpida discusión con su novio Andrea cambió su vida para siempre. El día de la discusión, su marido sale de casa y coge la moto con tal velocidad que tiene un accidente, en el cual termina en el hospital. Sofía que era una chica creyente, pidió que si su marido salía con vida, ella dejaría de tocar el piano para siempre, y así fue. Alegre y soñadora, decidió aparcar su carrera y sus sueños para cuidar de Andrea, que se quedó en silla de ruedas tras aquella noche.
Por otro lado, está Tancredi, es uno de los hombres más ricos del mundo. Joven, apuesto y brillante, siempre se sale con la suya. Un día de casualidad las vidas de Tancredi y Sofía se cruzan y empiezan a conocerse. Dos mundos diferentes, opuestos, como el día y la noche, se verán unidos.

PERSONAJES

1 protagonista y 2 personajes secundarios importantes:

Sofía: chica de treinta años, apasionada de la música. Trabaja impartiendo clases de piano a niños y jóvenes. Sofía por su parte es más soñadora y alegre, ha llegado a notarse más mayor de los que realmente es por lo que está pasando con Andrea. Llega un punto en la historia que no sabe lo que siente, no sabe si siente lo mismo por su marido que antes, o simplemente está con él para cuidarlo.
Andrea: marido de Sofía, tras una discusión con ella, él tiene un accidente que le deja paralitico. Él cambia su manera de ser, ya no le gustaba salir, se quedaba en casa con las persianas bajadas, solo recibía en su casa al chico de rehabilitación.
Tancredi: chico que sobrepasa los treinta. Millonario, vive la vida como le viene en gana y siempre se sale con la suya. No le gusta ver la felicidad reflejada en los demás porque él no cree en ella, por eso la destruye sin compasión ni miramientos.

CONCLUSIONES

Al final de la historia, Sofía confundida habla con una amiga suya que vivía en Rusia y decide sacarse un billete de tren e ir a verla, con el pensamiento de no volver. No le comentó nada a su marido Andrea, el cual ya empezaba a caminar un poco y recuperarse del accidente y tampoco le comentó nada a Tancredi, después de haberse hecho algunas ilusiones con él.

Sofía decidió desaparecer, rehacer y aclarar su vida. No quería estar con una persona por pena y que no sintiese lo que sentía antes. Y tampoco quería estar con una persona millonaria que siempre hiciese lo que le daba la gana.
Ella quería vivir, y dejar a un lado el pasado.
Por un lado, el libro nos muestra algunos capítulos duros, dónde nos explica cómo se siente Andrea en esa silla de ruedas, sin ganas de vivir y lo mucho que le cuesta salir de casa para ir al médico y ver a la gente caminar, los niños correr, hacer cosas que él no puede hacer. Son palabras fuertes dónde puedes llegar a entender cómo se siente una persona que ha tenido un accidente y se ha quedado paralitico recientemente. Es un golpe duro y te hace ver la vida de otra manera.
Por otro lado también te habla de las confusiones que tiene Sofía. No hay que estar jamás con una persona por pena, en realidad una de las cosas por las que Sofía da el paso para marcharse, es porque también ve que su marido mejora y sabrá valerse por sí solo. Tampoco puedes estar con una persona por el interés, por mucho dinero que tenga, no vale la pena.
La vida es otra cosa, no hay que vivir por conveniencia, ni estar con gente que no estás a gusto, hay que ser feliz y buscar tu camino, nadie te obliga a estar con gente que no deseas.

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Otros libros importantes que se han expuesto o que deberiamos leer:

- La vida de las abejas, Maeterlinck

- Disegno

- La serpiente verde, Goethe

- Mi visión del mundo, Autobiografía de Einstein

- La Isla de hidrógeno, P.S.J.M

- El mundo de Sofía

- La modernidad líquida

- Crimen y castigo, Fiódor Dostoyevski

- Cien años de soledad, García Marquez

- El beso de Judas, Fontcuberta

 - Esto no son las torres gemelas, Maria Acaso

- Viento del este y del oeste

- Novela gráfica El Cuervo, James O'bar

QUE TIPO DE CLASES HAY Y QUE SABERES SE DAN EN BELLAS ARTES

Como he comentado en la entrada anterior, vamos a realizar un libro explicando cómo dar una clase de qué es bellas artes, cómo empezó bellas artes, qué tipo de clases hay y qué saberes se dan.

A continuación adjunto la parte que me correspondía explicar:


3. ¿Qué tipo de clases hay? ¿Qué saberes se dan?

Durante la licenciatura de Bellas Artes existe gran variedad de asignaturas para que los alumnos puedan escoger e irse decantando por lo que más les guste. Existen asignaturas obligatorias que todo alumno debe hacer y las optativas, las cuales varían según lo que le interese a cada persona.

La licenciatura son 5 años divididos en 2 bloques llamados ciclos.

El primer ciclo consta de los 3 primeros años los cuales son asignaturas más generales. En los primeros años enseñan diversas técnicas que existen y las clases constan de más práctica que teórica para que el alumno experimente y tenga un objetivo claro para más adelante.

El segundo ciclo consta de los dos últimos años; 4º y 5º, y las asignaturas son más específicas. El alumno se centra en lo que le interesa y les ayudan a potenciar ese campo. Las asignaturas son más concretas, las cuales compensar la teoría con la práctica.

Cada alumno va desarrollando sus propias obras y llega a entender conceptos y teorías que años atrás no comprendía.

Los saberes que se dan durante la licenciatura se pueden dividir en los siguientes cuatro bloques:

1. Contextualización del arte

Existen asignaturas de historia del arte repartidas entre los dos primeros años de licenciatura. Es una asignatura obligatoria y necesaria, ya que una persona interesada en realizar todo lo relacionado con el arte, debe saber el pasado de éste, todos los antecedentes y conceptos que se han desarrollado hasta la actualidad.

2. Conceptos plásticos

A lo largo de la licenciatura todas las asignaturas constan de una parte teórica y otra práctica. No siempre está compensado, ya que muchas asignaturas realizan más práctica que teórica, y viceversa.

3. Prácticas artísticas

En este apartado enunciaré las asignaturas que se llevan a cabo durante la licenciatura que serán explicadas con detalle más adelante:
- Dibujo
- Pintura
- Escultura
- Grabado
- Fotografía, vídeo y todo lo relacionado con artes de la imagen
- Performance
- Muro

4. Desarrollo del lenguaje personal

Durante los últimos años de licenciatura, conciencian al alumno para el futuro mostrando las salidas que hay después de finalizar los estudios. Tienen que aprender cómo desarrollar una obra personal y explicarla al público, y para ello existen asignaturas las cuales desarrollan un proyecto desde el principio.

Para la realización de un proyecto hay que empezar con una idea; la desarrollamos en un trabajo de investigación que consta en buscar antecedentes, referencias, saber tus objetivos y hacer bocetos.

Después se pasa a la parte práctica, la cual el alumno realiza su obra de forma física con el fin de poder redactar posteriormente un dossier explicando la obra y adjuntando fotografías de ella.

En último lugar, enseñan cómo presentar ese dossier y exponer la obra en una presentación oral, con el fin de saber qué pasos hay que realizar en un futuro para presentar un proyecto u obra final.

PELÍCULA SER Y TENER

Ser y tener es un documental francés estrenado en 2002.

En este documental nos muestra como es la educación en un pueblo pequeño de Francia. La clase consta de pocos alumnos entre 4 y 10 años, los cuales el único maestro va enseñando a cada uno asignaturas diferentes según sus edades.

La forma de enseñar de este maestro es totalmente diferente a lo que solemos ver en los colegios. El maestro apoya y comprende a cada uno de ellos realizando diversas prácticas. Les enseña a pintar, a escribir letras y números, les enseña matemáticas, hasta incluso cocinan y sobretodo también se divierten y van a la nieve todos a jugar.

Enfoca de una manera diferente el aprendizaje y la enseñanza centrándose en cada uno de sus alumnos. Les ayuda e insiste en los ejercicios que realizan cada uno hasta que ese ejercicio este bien y sobretodo los alumnos entiendan el por qué.

Enseña el amor y el compañerismo entre los niños, intentando solucionar siempre todos los problemas con el dialogo. El dialogo es lo que utiliza el maestro siempre para que cada alumno entienda y aprenda como hay que actuar en un futuro cuando el maestro ya no esté.

La forma de aprendizaje en mi opinión es buena, tener a un profesor más cercano que te ayude a aprender y solucionar tus dudas. También hace mucho que sean pocos alumnos ya que el maestro puede dedicarle tiempo a cada uno de ellos y conocerles bien.
Sería difícil aplicar esta educación en una universidad, más que nada por el número de alumnos, necesitarían un maestro por cada 20 personas.
En nuestro caso; en nuestra Universidad, podemos decir que tenemos la gran suerte de tener algo parecido al documental. Somos menos alumnos que en otras Universidades y los profesores nos llegan a conocer algo mejor, nuestras ideas, nuestros gustos, cómo actuamos, ...

EL PAPEL DEL ARTISTA EN LA SOCIEDAD

Hemos leído y analizado el siguiente texto sobre el papel del artista en la sociedad según Albert Camus:

Albert Camus. 1913 /1960.
Premio Nobel de Literatura 1957.-
Hoy, todo artista está embarcado en la galera de su tiempo. Y debe resignarse a ello, aun cuando le parezca que esta galera huele a arenque, que los cómitres son verdaderamente demasiados y que, por añadiduría, se está doblando mal el cabo. Nos hallamos en alta mar. El artista, como los otros, tiene que remar a su vez sin morir; es decir, debe continuar viviendo y creando. A decir verdad, no es cosa fácil y comprendo que los artistas añoren su antiguo bienestar. El cambio es un tanto brutal. Cierto es que siempre hubo en el circo de la historia mártires y leones. Los primeros se sustentaban con consuelos eternos; los segundos, de alimento histórico bien sangrante. Pero hasta ahora el artista ocupaba un lugar en las gradas. Cantaba por cantar, para sí mismo o, en el mejor de los casos, para alentar al mártir y distraer un poco al león de su apetito. Ahora, en cambio, el artista se encuentra en la propia arena; su voz, su fuerza, ya no es la misma. Es mucho menos segura…
El hecho de que el artista ponga en tela de juicio el arte tiene muchas razones, de las que sólo bastará señalar las más importantes. En el mejor de los casos, ese enjuiciamiento se explica por la impresión que puede tener el artista contemporáneo de mentir o de hablar por hablar… En efecto, lo que caracteriza a esta época es la irrupción de las masas y de su condición miserable, frente a la sensibilidad contemporánea. Ahora sabemos que existe… siendo así que se tenía tendencia a olvidarlas. Y si lo sabemos, no es porque las élites, artísticas o de otra índole, se hayan hecho mejores; no, tranquilicémonos. Es que las masas se hicieron más fuertes e impiden que se las ignore… Hay aún otras razones, y algunas menos nobles, de esta misión del artista. Pero cualesquiera sean estas razones, todas ellas concurren en el mismo fin: desalentar la creación libre, atacando su principio esencial, que es la fe del creador en sí mismo. “La obediencia de un hombre a su propio genio- dijo magníficamente Emerson- es la fe por la excelencia”. Y otro escritor norteamericano del siglo XIX agregaba: “Mientras un hombre permanece fiel a sí mismo, todo abunda en su sentido, gobierno, sociedad, el mismo sol, la luna y las estrellas”.
En la mayor parte de los casos, el artista se avergüenza de sí mismo y de sus privilegios, si los tiene. Debe responder ante todo a la pregunta que él mismo se formula: ¿Es el arte un lujo mentiroso?.
La primera respuesta honesta que pueda darse es ésta: ocurre, en efecto, que el arte es un lujo mentiroso. En la toldilla de las galeras siempre y en todas partes se puede , lo sabemos, cantar a alas estrellas mientras los forzados reman y se agotan en la cala; siempre puede registrarse la conversación mundana que se mantiene en las gradas del circo, mientras la víctima queda destrozada entre los dientes del león. Y es muy difícil objetar algo a ese arte que conoció grandes éxitos en el pasado. Sólo que las cosas cambiaron un poco; sobre todo, el número de galeotes y de mártires aumentó prodigiosamente en la superficie del globo. Frente a tanta miseria, ese arte, si pretende continuar siendo un lujo, debe aceptar hoy ser también una mentira. La mentira del arte por el arte fingía ignorar el mal y asumía sí la responsabilidad de él; pero al mentira realista, si asume con coraje la responsabilidad de reconocer la desdicha presente de los hombres, traiciona asimismo gravemente esa desdicha presente de los hombres, al utilizarla para exaltar una felicidad futura de la que nadie sabe nada y que, por lo tanto, autoriza todos los engaños.
¿Hay que llegar pues, a la conclusión de que esta mentira es la esencia misma del arte?. Yo diría, en cambio, que las actitudes de las que hablé no son mentira, sino en al medida en que no tienen gran cosa que ver con el arte. ¿Qué es, pues, el arte?. Cosa nada sencilla, eso es seguro. Y resulta aún más difícil comprenderlo en medio de los gritos de tanta gente desdichada con encarnizamiento a simplificarlo todo.
Por una parte se quiere que el genio sea espléndido y solitario; por otra, se le impone que sea semejante a todos. ¡Ay la realidad es más compleja!. Y Balzac lo hizo sentir en una frase: “El genio se parece a todo el mundo y nada se parece a él”. Y esto cabe afirmar del arte, que no es nada sin la realidad, y sin el cual la realidad es poca cosa. El arte, en cierto sentido, es una rebelión contra el mundo en lo que éste tiene de fugitivo y de inacabado: no se propone, pues, sino dar otra forma a una realidad que sin embargo él está obligado a conservar, porque ella es la fuente de su emoción. En este sentido, todos somos realistas y nadie lo es. El arte no es ni el repudio total de lo existe, ni la aceptación total de lo que existe. Es al mismo tiempo repudio y aceptación. Y por eso no puede ser sino un desgarramiento perpetuamente renovado. El artista se encuentra siempre en esta ambigüedad, incapaz de negar lo real y sin embargo eternamente desdichado a discutirlo en que lo real tiene de eternamente inacabado. Para hacer una naturaleza muerta es menester que se enfrenten y se corrijan recíprocamente un pintor y una manzana. Y si las formas no son nada sin la luz del mundo, ellas a su vez agregan algo a esa luz. El universo real que por su esplendor, suscita los cuerpos y las estatuas recibe de ellos al mismo tiempo una segunda luz, que fija la del cielo… No se trata, pues, de saber si el arte debe huir de los real o someterse a lo real , sino tan sólo de saber qué dosis exacta de lo real debe conservar la obra para no desaparecer en las nubes o, por otra parte, arrastrase con plantillas de plomo. La obra más elevada será siempre la que equilibre lo real y el repudio que el hombre opone a la realidad…
Evidentemente el valor más calumniado hoy día es el valor de libertad… Se trata de saber que sin la libertad no realizaremos nada. Y que a la vez perderemos la justicia futura y la belleza antigua. Únicamente la libertad saca a los hombres del aislamiento. La servidumbre se cierne sólo sobre una multitud de soledades. (…) Mi conclusión será sencilla. Consistirá en decir, aun en medio del estrépito y del furor de nuestra historia: ‘Alegrémonos’. Alegrémonos, en efecto, por haber visto morir una Europa mentirosa y cómoda. Y por encontrarnos frente a crueles verdades. Alegrémonos en nuestra condición de hombres, puesto que un prolongado engaño se ha desmoronado y ahora vemos claro lo que nos amenaza. Y alegrémonos en nuestra condición de artistas arrancados al sueño y a la sordera, mantenidos por fuerza frente a la miseria, las prisiones, la sangre…
“Todo muro es una puerta”, dijo con razón Emerson. No busquemos la puerta y la salida sino en el muro contra el cual vivimos. Busquemos el paso donde éste se encuentra, quiero decir, en el centro mismo de la batalla… Se ha dicho que las grandes ideas vienen al mundo en patas de paloma. Si aguzamos el oído, acaso oigamos entonces, en medio del estrépito de los imperios y de las naciones, como un débil aleteo, el suave bullicio de la vida y de la esperanza. Unos dirán que esta esperanza está alimentada por un pueblo; otros, por un hombre. Yo creo, en cambio, que está suscitada, reanimada y alimentada por millones de solitarios, cuyas acciones y obras niegan cada día las fronteras y las más groseras apariencias de la historia para hacer resplandecer fugazmente la verdad, siempre amenazada, que cada cual, con sus sufrimientos y sus goces, eleva para todos.
La meta del arte no es legislar ni reinar, sino que es, ante todo, comprender. Por eso el artista, al término de su camino, absuelve en lugar de condenar. No es juez, sino justificador, es el abogado permanente de la criatura viva, porque ella está viva. Aboga en verdad por amor al prójimo, no por ese amor de lo remoto que degrada al humanismo contemporáneo en catecismo de tribunal. En cambio, la gran obra termina por confundir a todos los jueces. Mediante ella, el artista rinde homenaje a la más elevada figura del hombre y al mismo tiempo se inclina ante el último de los criminales. “No hay uno solo- escribe Wilde en la prisión- de los desdichados encerrados conmigo en este miserable lugar, que no se encuentre en relación simbólica con el secreto de la vida”. Sí, y ese secreto de la vida coincide con el arte…
Hay unas palabras de Gide que yo siempre aprobé: “El arte vive de coacción y muere de libertad”. Eso es cierto, pero no hay que concluir por ello que el arte deba ser dirigido. El arte no vive sino de las coacciones que él mismo se impone: muere por obra de los demás.
El arte más libre y el más sublevado será, pues, el más clásico. Coronará el mayor esfuerzo. Mientras una sociedad y sus artistas no consientan en realizar este prolongado y libre esfuerzo, mientras no se abandonen a la comodidad de los enfrentamientos o a la del conformismo, a los juegos del arte por el arte o a las predicas del arte realista, permanecerán en el nihilismo y en la esterilidad. Decir esto equivale a decir que hoy el renacimiento depende de nuestro coraje y de nuestra voluntad de clarividencia.

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A continuación anotaré los puntos claves que nos cuenta Albert Camus en este texto;

Estoy de acuerdo en que el artista debe continuar viviendo y creando. Un buen artista continuamente debe crecerse y crear cosas nuevas.
El arte no es nada sin la realidad y la realidad sin el arte es poca cosa. El arte tan solo debe saber qué dosis exacta de realidad debe conservar la obra para no desaparecer. Pienso que un artista debe ser el reflejo de la sociedad que transmite lo que está pasando.
Por otro lado, el texto es un texto desfasado ya que en algunos puntos no opino igual.
Nos cuenta que antes los artistas vivían mejor que hoy en día y no es así. No se da cuenta que ninguna época fue buena para el artista. Hace décadas había también pocos artistas que destacasen, y los que destacaban lo pasaron muy mal para poder llegar dónde llegaron.
Ahora hay muchos tipos de arte, pero la mayoría se desarrolla un arte no dirigido a la élite, si no a la mejoría de la vida de la clase media y baja. Quieren mostrar el día a día.

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También quiero añadir estos vídeos que hemos visto y comentado:

http://www.youtube.com/watch?v=mmQLvoGHiXg
http://www.youtube.com/watch?v=twL3xTa5L4U
http://www.youtube.com/watch?v=oATToFqlTRA
http://www.youtube.com/watch?v=DVt8CcwNN48
http://www.youtube.com/watch?v=y7CoGAbxQmE

Es un reportaje sobre ARTE Y SOCIEDAD en el Arte Contemporáneo.
Son muy interesantes estos vídeos y nos muestran la realidad;

Cuando vemos el arte del pasado nos hace sentir emoción, ¿pero el arte de ahora también?
Hoy en día nos domina la incertidumbre. ¿Qué somos ahora? ¿En qué creemos? ¿A dónde nos dirigimos?
No sabemos que dirán en el futuro cuando analicen el arte nuestro de ahora ya que hay una ruptura total con el arte del pasado.
Una frase que me gustó de uno de los vídeos y que resumen que es el arte es la siguiente: "El arte se hace, se promociona y se vende"
Solo somos lo que el consumismo dice que somos. Arte/Consumismo van juntos de la mano.

¿QUÉ ES EL ARTE?

Me he leído este artículo que adjunto y he hecho un resumen sobre qué es el arte.

www.lavanguardia.com/cultura/20131207/54395274278/que-es-arte.html

El articulo nos habla de la feria Art Basel Miami Beach, que consta de 258 galerías y 2.000 artistas. 

Nos cuenta que a partir del Urinario de Duchamp cambió la definición de arte. 

Algunos ejemplos de obras que han expuesto en esta feria son los siguientes:

Una mochila en el suelo, una sartén en un honillo, un aire acondicionado con una maceta, un sillón para la siesta, una moto plateada con un pájaro muerto en el depósito de gasolina,...

Los visitantes ante estas obras se quedan con cara de estupefacción.

¿Qué pasa cuando esto ya no lo provoca al público y se piensan que les estás tomando el pelo?

Incluso el artículo define una obra de una motocicleta vespa roja como un objeto que debió formar parte del pasado de algún tio abuelo del artista y lo colocó en la feria.

Son muchos los que no entienden el arte actual y piensan que es una tomadura de pelo. 

En realidad el artista de ahora nos enseña lo que conoce en su sociedad, quiere hacer un mundo mejor señalando lo malo de la sociedad en la actualidad.

Pero.. ¿todo vale para que sea arte?

Un comentario realizado por una lectora de la vanguardia opina lo siguiente:

"Arte es todo lo que se puede comprar hoy y vender al doble de precio al cabo de unos pocos años."

Entonces, ¿estamos hablando que el arte es solo un comercio? No lo compras porque te guste la obra o valga la pena si no para luego venderlo y ganar más dinero.

TALLER JOSEPH BEUYS

Joseph Beuys decía que el lenguaje es la primera forma de escultura. Desarrolló la escultura social a través del arte, porque a través del arte se construye todo. 

En sus clases llevaba a los alumnos a la autosuficiencia. Deconstruye la educación cambiando los roles. El profesor es la persona que en ese momento está hablando y los demás los alumnos; cuando habla otra persona, la primera deja de ser profesor para ser alumno y la segunda deja de ser alumno y pasa a ser profesor. 

En esta clase hemos decidido basarla en las enseñanzas de Beuys realizando un taller de conversaciones. Sentados en círculo y con una cartulina grande en blanco en el medio, decidimos entre todos dos temas para hablar; en este caso la vejez y el futuro. 

Lo apuntamos en la cartulina y cada uno piense lo que le sugieren esas palabras, lo primero que se nos ocurra. 

-Vejez: Soledad, Experiencia, Muerte y Pérdida de memoria.

-Futuro: Madurez, Retos y Estabilidad.

A continuación relacionamos estas dos palabras con dos objetos escogidos al azar: un carrete de hilo y un estropajo. 

En mi caso relaciono la vejez con el carrete. El carrete está lleno de hilo, lleno de cosas que has vivido y cuanto más mayor te haces, menos hilo te queda, menos vida.

Y el estropajo lo relaciono con el futuro; algo lioso, que da miedo y hay que modelarlo. 

Después conversamos entre todos sobre esos "miedos" que habíamos puesto cada uno y escribiéndolos en la cartulina, incluso dibujando lo que nos decían esas palabras y sacando nuestras conclusiones.

Esta clase que hemos realizado de una forma diferente sirve de mucho;

-Nos sirve para crear ideas que no habíamos pensado antes.

-Para sacar conclusiones de la nada; por ejemplo poniendo los dos objetos encontrados al azar.

-Relacionar conceptos y saber definirlos.

-Fomentar la participación.

-Ayudar a ser objetivo en un tema y ver que todos tenemos los mismos miedos.

¿QUÉ ES UN ARTISTA? ¿QUIÉN DECIDE QUIEN ES UN ARTISTA?

En mi opinión;

Un artista es una persona creativa capaz de transmitir y expresar lo que piensa y siente mediante algo material o no; bien sea en un lienzo, en una escultura, en papel, en música o incluso en una acción.
Pienso que cualquier persona puede ser artista, si tienes ganas solo hay que trabajarlo, aportando algo nuevo y dando una visión personal.

Yo creo que quien decide que es un artista hoy en día es la sociedad, y en el mundo comercial las galerías, los comisarios o personas capacitadas para ello.

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TEORÍA PARA SABER QUIÉN ES UN ARTISTA

Nos basamos en una serie de niveles de jueces:

1º nivel: 

El juez eres tu, el creador de la obra. Tu mismo debes creer en ti y saber y valorar si tu eres un artista.

2º nivel:

Otros artistas. Qué mejor la opinión de otros artistas para reconocer quién es o no un artista. 

3º nivel:

El público, en según que paises está más capacitado para juzgar las obras. Por ejemplo en España habría que formarlo porque no se está capacitado.

4º nivel:

Llegamos al nivel de los jueces del mercado del arte; el comercio, las galerias, los coleccionistas, comisarios,... El mercado del arte nos confunde con que se venda algo y sea bueno, a lo mejor nos están vendiendo una obra que no es buena, pero la gente la compra.

5º nivel:

Último nivel, los jueces de los agentes de aduanas. Si decides cambiarte de país y llevarte tus obras, a lo mejor los agentes no te dejan pasarlas porque deciden que esas obras son obras de arte y tienes que declararlas, considerándote un artista.


El arte es una cuestión de creyentes. Somos nosotros mismos los primeros quienes somos capaces de creernos si somos artistas, de defender nuestra obra, explicarla y argumentarla para que los demás te crean.

¿Por qué se quiere legitimar una obra?

Hay varias opciones que varian a lo largo del tiempo y de tu trayectoría. Puedes querer que tu obra la conozcan bien porque necesitas seguir creando más, necesitas un reconocimientos social, necesitas ganar dinero, necesitas ir más adelante y dar otro paso a tu obrao bien por puro egocentrismo.

EJERCICIO 1

¿QUÉ ES LA JUSTICIA?

Difícil definir esta palabra ya que depende de los valores de una socedad y de las creencias individuales de cada persona la justicia varía.

Varias preguntas invaden mi mente;
¿La justicia es dar a cada uno lo que le pertenece?
¿Es justo tratar diferente odiscriminar a una persona por su color?
¿Es justo tratar a personas por preferencia según su clase social?
¿La justicia es ciega?¿Se es justo con todo el mundo o se actúa según conveniencia?
¿La justicia es universal?
¿Ser justo es una persona razonable y correcta?
¿Ser justo es tomar decisiones aunque no sea beneficiada la otra persona?
Y la pregunta que más me gusta....
¿Vale la pena ser justo cuando en tu alrededor solo ves injusticias?

Según su definición; la justicia es la virtud de cumplir y respetar el derecho, las normas y las reglas.
Y sí, la justicia es universal pero varía según la cultura y la sociedad.
La clave principal es distinguir qué es lo bueno y lo malo. Lo difícil es... ¿cómo saber qué es lo bueno y lo malo?